Dissertations / Theses: 'Essai (genre littéraire) – Critique et interprétation' – Grafiati (2024)

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Abstract:

Cette etude cherche a explorer le theatre poetique de mu'in bsisu. La premiere section est consacree a la composante narrative et discursive. L'auteur essaie de retrouver le contexte historique auquel chaque piece (dont la traduction figure en annexe) fait reference ; de mettre a jour les relations entre les actants de facon a faire ressortir les programmes narratifs et le schema narratif sous-jacent ; d'eclaircir la structure actorielle ainsi que l'espace et le temps dans lesquels s'inscrivent les programmes narratifs. Ces pages se proposent aussi une reflexion. Sur le discours mythique que le dramaturge exploite pour revisiter et reinterpreter en termes contemporains et palestiniens certains mythes ;. Sur le fonctionnement antiphrastique qui caracterise son discours poetique ;. Sur la manipulation du discours historique et sur son interpretation ;. Sur l'investissem*nt pluri-isotope du discours poetique et les figures qui engendrent plusieurs parcours figuratif ;. Sur le chevauchement entre isotopies figuratives et thematiques dans le discours parabolique ;. Sur le parallelisme entre les figures du revolutionnaire et de la revolution et celles de certains phenomenes cosmologiques. La deuxieme section est, en revanche, entierement consacree a la composante figurative. L'auteur commence par definir le langage de bsisu, puis par en eclaircir le fonctionnement. Le poete vise a frapper le lecteur par un langage qui se caracterise par des antiphrases ironiques, des synecdoques en cascade, des associations et des metaphores inusuelles. Nul lexeme n'echappe a la recategorisation et a la resemantisation chez bsisu. Celui-ci percoit les figures dans leurs qualites sensibles et les resemantise, en jouant souvent sur les cinq sens et, en particulier, sur le toucher et la vue. Par ailleurs, c'est la dimension plastique des figures qu'il semble surtout interesser cet auteur. Il exploite tout specialement la dimension eidetique et chromatique des figures.

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Abstract:

L’Intime, c’est la figure à laquelle la pensée de Barthes s’exerce. « Notre enquête la plus intime ne va pas à l’issue des choses mais à leur pourquoi », dit-il au début de son oeuvre. Et à la fin : « C’est l’intime qui veut parler en moi, faire entendre son cri, face à la généralité, à la science. » Dans son discours critique, Barthes n’a-t-il pas alors laissé s’échapper une poétique de l’Intime ? Nous tentons d’abord de cerner l’illusion de l’Intime en général. Un certain service public (dont le discours a la forme, selon J. Kristeva, de la « vertueuse exaspération » de la Critique devant la « naïveté sentimentale ») veut le neutraliser dans l’évidence de la vie privée. Nous devons alors réaffirmer son Cri et sa Parole possibles, en montrant comment Barthes, lui, s’y est pris. D’où ces lignes d’attaque : le Style ou force de l’Intime, ses représentations dans l’oubli scandaleux du sujet — après Barthes, loin de lui ; le Journal dans lequel ce scandale résonne le mieux — d’après Barthes : selon le rythme de ce genre lui permettant de repenser l’Essai ; l’Écriture même de l’Intime ou graphie, irréductible à l’identité, mesurable à la donne de thèmes (Voix, Ego, Résistance) transformant, dans l’instance et les circonstances de la vie, l’oeuvre en « oeuvre-vie » ; et le Rien du discours auquel cette écriture s’articule, ce que Barthes en esquisse avec la lecture et n’en esquive pas moins
The Intimate is the image that Barthes’ tought works on. “Our most intimate quest doesn’t go at the end of matters but at its whys”, he says at the beginning of his work. And at the end: “The intimate wants to speak within me, to make its call at the face of generality, of science. ” In his critical speech, we wonder if Barthes hasn’t set free a poetics of the Intimate. First we shall attempt to define the illusion carried by the Intimate in general. A certain public utility is willing to neutralize it in one’s private life (his speech has the form of what J. Kristeva ascribes to the “virtuous exasperation” of Criticism facing “sentimental naïvety”). Then we must reassert its possible Call and Word, by showing how Barthes himself dealt with them. Therefore these lines of attack: the Style or the Intimate force, its representation in the scandalous oblivion of the subject — after Barthes, far from him; the Diary in which this scandal best echoes — according to Barthes: depending on the rythm that causes to rethink the Essay; the very writing of the Intimate or written form, can’t be resumed to the identity, but can be measured by the wide range of themes (Voice, Ego, Resistance). It turns the work into “work-life”, going from this space to life’s structure and events; the Nothing of the speech at which this writing is articulated with, which Barthes starts to mention with reading and eludes at the same time

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Abstract:

Comment lire le théâtre d'Albert Camus, comme il le souhaitait, sous l'angle purement esthétique : sans le réduire à la démonstration de la thèse exposée dans ses essais philosophiques ? Dans le contexte actuel de l'esthétique et de la poétique, la question est inséparable d'une autre : qu'est-ce que la théâtralité du théâtre et de son texte ? L'examen du cas de Camus révèle des traits spécifiques au texte théâtral qui semblent converger vers la fictionnalité de ce dernier. Toutefois, la théâtralité n'est pas synonyme de fictionnalité bien que les deux notions soient étroitement liées à l'absurdité : celle-ci, qui se trouve dans le principe fondamental de la communication, sert à la reconnaissance de l'une ou de l'autre. Et dans le cas du théâtre de Camus qui exemplifie l'absurdité plus qu'il ne la représente, l'expérience esthétique du lecteur-spectateur consiste avant tout à saisir la signification de cette distance entre l'intention artistique et l'œuvre qui la réalise
How can we read the theatre works of Albert Camus, as he wished them to be read, from a purely aesthetic angle, without reducing them to the demonstration of the thesis expressed in his philosophical essays? In the current context of aesthetics and poetics, this question is inseparable from another question: what is the theatricality of theatre and theatrical text? The case of Camus reveals some specific features of the theatrical text that appear to point towards its fictionality. However, theatricality is not synonymous with fictionality, although these notions are both closely connected with absurdity. Absurdity, which is to be found in the fundamental principle of communication, allows us to recognize both theatricality and fictionality. In the case of Camus's theatre, which exemplifies more than it represents absurdity, the aesthetic experience of the reader-spectator consists above all in grasping the full meaning of the distance that separates the artistic intention and the works that realize it

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Abstract:

Le récit littéraire au tournant du XXIe siècle peut se présenter sous la forme du récit d’enquête. Cette thèse se propose d’examiner ce modèle tel que le mettent en œuvre Thierry Beinstingel, Jean Rolin et Emmanuel Carrère. La pratique de ces trois écrivains pourrait permettre de mieux repérer l’esthétique et les enjeux de cette modalité narrative en émergence. Dans ces récits, le narrateur se trouve d’abord privé de vérité par un récit autoritaire, contre lequel il reconquiert son autonomie perceptive. Sa liberté retrouvée se manifeste par l’entrée dans l’enquête. Le narrateur élit alors un objet de recherche, un motif aléatoire ou improbable, personne, projet, objet, territoire et entreprend le récit de son exploration. À partir de ce prétexte, il interroge donc le sens de sa présence au monde et s’observe percevant, lisant, interprétant et réagissant. Sa liberté se traduit alors par son implication sensible et réflexive. Entre récit de réalité et fiction, ces récits volontiers digressifs opèrent aux confins de la narration, de l’essai et de l’investigation journalistique. Un tel modèle met en œuvre une attitude ou un ethos de chercheur hésitant et perplexe. Cependant, se construit en arrière-plan une dynamique à la fois narrative et réflexive, au cours de laquelle l’énonciateur entre dans l’observation intense du monde présent, y conduit librement sa réflexion au moyen, entre autres, de la dérive essayistique, renouvelle le discours critique sur l’état de société et propose des modalités de reconstruction imaginaire du monde, réaffirmant une liberté créatrice, voire une capacité insurrectionnelle contre la prétention du monde tel qu’il est à être le seul possible
Literary narrative forms at the dawn of 21st century sometimes take the form of an enquiry. The present thesis aims to examine in detail this narrative technique as practised by Thierry Beinstingel, Emmanuel Carrère et Jean Rolin. The way they use it could help to understand and identify the aesthetic qualities and purposes of this emerging narrative mode. In these stories, the narrator feels his own thoughts as locked inside an authoritarian doxa which he must first overcome to recover his freedom of perception. He can then become involved in the enquiry, which can be understood as a phenomenological way to be aware. He then selects an arbitrary or improbable motif as the goal for his quest, which may be a person, an object, a project, an area, and undertakes to tell the story of his own inquiry. From this starting point, he begins to question the meaning of his existence and to observe himself making sense of, reading, thinking about and reacting to things. Between fiction and nonfiction, these frequently digressive tales often border on novels, essays or investigation journalism. The narrator always looks puzzled, hesitant and does not seem to trust his own approach. Yet in the background we witness the emergence of a dynamic both narrative and introspective through which the narrator becomes an acute observer of the world around him. He follows freely his train of thought through among other things the use of the essay form to drift from an idea to the next, finding new means of expressing the critique of social problems, creating novel ways of building new fictional worlds and perhaps even managing to rebel against the idea that there is no alternative to the world as it exists

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Abstract:

L'étude sur l'enracinement culturel englobe toute la production littéraire de Guy Menga, auteur Congolais de Brazzaville, depuis le théâtre jusqu'au conte en passant par la nouvelle et le roman. Cette étude comprend trois parties. La première concerne l'étude générique de l'oeuvre qui traite d'abord du théâtre comme un moyen de plaisir et d'instruction. Le théâtre menguien est à la fois un théâtre social et populaire grâce aux thèmes qui prennent leur source dans la tradition. Elle nous édifie ensuite sur la complexité du roman menguien dont le trait dominant est le dialogue. Cette structure romanesque fondée sur la théâtralité africaine et le récit traditionnel oral, intègre aussi des lettres, des discours et des faits divers. L'étude souligne enfin le cacactère moralisateur et divertissant de la nouvelle et du conte dont les différents récits sur la tradition marquent l'enracinement culturel de Guy Menga. La deuxième partie intitulée texte et contexte s'intéresse aux différentes pratiques traditionnelles comme le fétichisme, les rites et les mythes. La troisième et dernière partie s'inscrit dans un imaginaire traditionnel fait de symboles theriomorphes et des images diaïrétiques, marqué par une forte ambivalence, un imaginaire dans lequel évolue le héros menguien en quête d'un monde meilleur.

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Abstract:

Dans la variété des thèmes et des formes offerte par les essais de Marguerite Yourcenar, s’ébauche et s’affine le « portrait d’une voix », incitant le lecteur à réfléchir, à la suite de l’essayiste elle-même, à l’avertissem*nt de Jorge Luis Borges : « Un écrivain croit parler de beaucoup de choses, mais ce qu’il laisse, s’il a de la chance, c’est une image de soi ». Ces essais où s’affrontent des visions contradictoires du temps et de l’identité, retracent l’histoire de la résistance du moi à son extinction, prônée par un je qui reste souverain par-delà les métamorphoses. Des premiers essais, où la jeune « Marg Yourcenar » s’effraie et s’enchante, dans un style « tendu et orné », de la décadence de l’Occident, aux dernières notes jetées dans ses carnets, la métaphore récurrente de l’érosion traduit le travail d’épure auquel est soumis le genre, comme l’autoportrait qui s’y dessine. Ce travail est sous-tendu par une vision du temps qui oscille entre écoulement et permanence, et d’où émerge la valeur accordée à l’instant, premier pas vers la « magie sympathique » qui permet de s’établir en n’importe quel point du temps humain. Ainsi dilaté aux dimensions de la « constellation » universelle née de rencontres aléatoires ou surdéterminées, le moi inextinguible incarne pourtant les résurgences de l’individualité, enfin acceptée comme voie d’accès à l’universel. Au terme de cinquante ans de pratique de l’essai, Marguerite Yourcenar a conquis la liberté propre au genre, aux confins de l’autobiographie longtemps refusée, en acceptant que ses métamorphoses épousent au plus près la fluidité de la vie individuelle
Through the variety of themes and forms offered by Marguerite Yourcenar's essays, the "portrait of a voice" progressively takes shape, inclining the reader to ponder, after the essayist herself, Jorge Luis Borges's warning : "A writer thinks he is tackling a lot of subjects; what he leaves behind, however - if he is lucky - is an image of himself". The essays, in which two contadictory conceptions of time and identity constantly clash, testify to the way the "self" resists its extinction, strongly recommended by the "I", which remains supreme beyond the metamorphoses. From the first essays, in which the young "Marg Yourcenar", in a tense and ornate style, appears to be both alarmed and enchanted by the decline of the West, to the last remarks jotted down in her notebooks, the recurring metaphor of the erosion conveys the extent to which the form is being refined, as well as the self-portrait that emerges from it. The process involves a conception of time that wavers between the flowing and the permanent, and brings forth the value given to the moment, first step towards the "sympathetic magic" which enables the reader to settle at any point of the human time. Thus expanded to the dimensions of the universal "constellation" born of random, or highly determined, encounters, the irrepressible "self" still embodies the resurgences of the individuality, accepted at last as a path towards the universal. After writing essays for fifty years, Marguerite Yourcenar conquered the liberty that defines the form and borders on the autobiographical, when she finally allowed its metamorphoses to closely match the fluidity of the individual life

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Abstract:

Cette étude est consacrée à l’écrivain et penseur contemporain Jean-Christophe Bailly. En présentant l’ensemble de son œuvre publiée à ce jour, nous montrons que celle-ci, dans sa diversité et sa dispersion, demeure traversée par une même position désemparée : celle d’un auteur qui regarde, pense et écrit en refusant de s’installer dans le monde. À travers sept chapitres, qui sont autant de focalisations différentes, apparaît le déploiement d’une poétique singulière que – reprenant le titre de l’ouvrage le plus connu de Jean-Christophe Bailly – nous nommons « poétique du dépaysem*nt ». Elle consiste à inverser les logiques de familiarité, d’habitude et de projection personnelle pour se tenir partout dans l’expérience en visiteur étonné.Lisant cette œuvre foisonnante, constituée de centaines de textes sur des sujets variés, nous observons ainsi qu’elle engage une dynamique du non tenu qui est à la fois une esthétique et une politique. Célébrant une relation au monde sans maîtrise, l’énonciation soucieuse de se tenir en retrait exprime la joie et la nécessité de l’errance. Elle se manifeste dans une écriture à la fois descriptive, réflexive, narrative et critique, qui semble de multiples manières débordée dans son rapport au monde. À travers cet élan de désappropriation peut apparaître l’émotion partagée d’un réel retrouvé où chaque objet, dégagé des déterminations extérieures, se tiendrait dans sa propre ressemblance
This dissertation is about French contemporary writer and thinker Jean-Christophe Bailly. Over our seven chapters, we tried to identify the specificities of his poetics, which we call ‘poétique du dépaysem*nt’ [change of scenery poetics] (in reference to his most well-known book). It appears to us that Jean-Christophe Bailly’s writings, despite their heterogeneity, always rethink familiarity, habits, and personal involvement. The author refuses to watch, think and write as if he were taking possession of the world. To the contrary, he consistently acts as a surprised visitor and experimenter.Jean-Christophe Bailly’s rich work engages an uncontrolled dynamic, which is both an aesthetics and a politics. Meaning that the utterance carefully keeps itself on the edge, expressing the joy and necessity of vagrancy. In many ways, Jean-Christophe Bailly’s style, descriptive, reflexive, narrative, and critic, seems to be overwhelmed in the world. With this dispossession move may appear a newly found reality in which every object, freed from any external determinisms, can stand for itself

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Abstract:

Cette recherche part de l’hypothèse que l’essai littéraire, parce qu’il pense à partir de la forme, permet d’appréhender une part de la vulnérabilité qui résiste aux approches philosophiques de la notion. La vulnérabilité demande de prendre en compte des façons de se rapporter au monde qui sortent du modèle universalisant et dualiste structurant le paradigme du savoir. Elle demande aussi de repenser les couplages notionnels sur lesquels se fonde le « partage du sensible » occidental et échappe à l’espace politique tel que la philosophie du XXe siècle l’a configuré. Les quatre essais qui composent le corpus ont le souci de penser le réel à partir de ses lieux d’opacité et engagent leur vulnérabilité dans la pensée. Dans La Bulle d’encre de Suzanne Jacob (1997), Les Outils de Leslie Kaplan (2003), Renversem*nts de René Lapierre (2011) et Là où le cœur attend de Frédéric Boyer (2017), la pensée s’affronte à sa propre limite dans le langage et se tient dans des lieux où la trame du monde s’effiloche. Ils accueillent dans le langage le non-sens et la perte de repères symboliques qui caractérisent, en partie, la vulnérabilité. Travaillant à partir d’une logique négative, ces textes font basculer l’ambivalence dont la philosophie dote la vulnérabilité dans une unité ouverte, dont la cohérence n’implique pas l’absence de contradiction. Ce faisant, ils mettent au jour l’intelligence singulière de l’essai. Cette recherche suit ce fil jusque dans l’écriture et comporte une partie création. « Exercice du vertige » poursuit l’équation que l’essai pose entre l’écriture et la vie et investit sa méthode de recherche – qui implique à la fois une archéologie des formes et l’exercice d’une confiance dans le langage
This research suggests that the literary essay, because it thinks through the form, allows us to understand a part of the vulnerability which resists the philosophical approaches of the concept. Vulnerability demands to take into account ways of relating to the world that depart the universalizing and dualistic model which structures the paradigm of knowledge. It also requires a rethinking of the notional couplings on which the occidental “partage du sensible” is based and escapes the political space as configured by twentieth-century philosophy. The four contemporary literary essays that make up the corpus are all concerned with thinking reality from its places of opacity and engaging their vulnerability in thought. In Suzanne Jacob's La Bulle d’encre (1997), Leslie Kaplan's Les Outils (2003), René Lapierre's Renversem*nts (2011), and Frédéric Boyer's Là où le cœur attend (2017), the reflection confronts its own limit in language and stands in places where the fabric of the world unravels. They welcome in language the nonsense and loss of symbolic markers that characterize, in part, vulnerability. Working from a negative logic, these texts turn the ambivalence with which philosophy characterizes vulnerability into an open unity, whose coherence does not imply the absence of contradiction. By doing so, they bring to light the singular intelligence of essay. This theoretical research is followed by a creative part entitled "Exercising desiquilibrium" which pursues the connection posed by the essay between writing and life and employs its research method, which involves both an archaeology of forms and the exercise of confidence in language

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Abstract:

À sa mort en 1882, Ralph Waldo Emerson fait déjà figure de monument littéraire et de père, fondateur de la culture nationale : de fait, « The American Scholar » (1837) apparaît pour beaucoup comme la « Déclaration d'Indépendance intellectuelle » de l'Amérique. Cependant, si les Lettres contribuent à créer, en Amérique comme ailleurs, la représentation d'un imaginaire commun qui donne corps à l'idée de nation et si, au XIXe siècle, la nation américaine s'invente dans sa littérature, c'est d'abord par le truchement de ses fictions. Or Emerson a toujours manifesté une grande méfiance à l'égard de la fiction, synonyme pour lui d'illusion, affichant sa préférence pour la prose d'idées et notamment l'essai. C'est donc à rebours d'un siècle qui érige le conte, la romance et le roman en genres littéraires autochtones, enfin affranchis de la tutelle des Lettres européennes, qu'Emerson jette son dévolu sur le genre non-fictionnel de l'essai et en fait la forme privilégiée d'un dire américain. Aussi s'agira-t-il de lire les essais d'Emerson comme autant de travaux d'approches d'une Amérique que le texte d'« Expérience » qualifie d'« inapprochable », pour les envisager comme le lieu où s'écrit et se récrit continuellement le contrat social d'une démocratie qui n'a de cesse de remettre en jeu le moment de sa fondation. Ce faisant, il s'agira également de montrer que, malgré l'aversion d'Emerson pour les formes fictionnelles, les essais finissent par s'abandonne au désir de fiction qui les travaille en secret et deviennent ce qu'il appelle des « romances du caractère » où se façonnent, au gré de l'enchaînement des caractères sur la page, les héros représentatifs de l'Amérique à venir
Upon his death in 1882, Ralph Waldo Emerson had already become a literary monument and was recognized as a founding figure of American culture. Published in 1837, "The American Scholar" is indeed hailed by many to be America's "intellectual Declaration of Independence. " However, if the "Belles Lettres" did contribute to creating the representation of a common imaginary whereby the American nation could invent itself and if, in the course of the nineteenth century, America wrote itself into existence, such an enterprise remained largely the province of fiction. Yet Emerson was always suspicious of fiction, which for him rhymed with illusion, choosing instead to write non-fictional prose, and more particularly essays. Contrary to some of his contemporaries who turned tales, romances, and novels into indigenous genres, free at last from the shackles of European Letters, Emerson turned towards the genre of the essay and made it one of America's privileged forms of literary expression. This thesis thus offers to read Emerson's essays as so many ways of approaching what "Experience" describes as "this new yet unapproachable America," considering them as the locus where the American democracy repeatedly writes and rewrites its social compact and continuously reinvents itself. By the same token however, and despite Emerson's aversion for fictional forms, the essays yield to the desire for fiction that haunts them in secret and become what he called "romances of character," fashioning the character of America's representative men even as the letters, the characters, take shape on the page

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Abstract:

La présente étude se propose de donner une traduction abondamment annotée de la seconde série des essais d’Élia qui paraissent dans les revues périodiques anglaises, entre 1820 et 1833. Dans un souci d’exactitude, cette traduction restitue les passages supprimés par l’auteur avant leur parution sous forme de recueil. Une attention toute particulière a été portée sur les traductions en français de certains essais d’Élia publiés séparément dans les revues du milieu du dix-neuvième siècle et sur les traductions plus modernes des Essais d’Elia, réunis en recueil, jusqu’à l’époque présente. Les Last Essays of Elia sont la dernière œuvre publiée par Lamb. La tentation était grande de chercher une continuité depuis les premiers écrits jusqu’aux LEE. Dans l’introduction critique, nous nous sommes efforcé de voir les différents aspects de l’oeuvre de Lamb qui est à la fois poète, journaliste, dramaturge, critique de théâtre et épistolier et qui connaît la notoriété dans le genre de l’essai, genre auquel il donne un souffle nouveau, grâce à la persona d’Élia. Le fait que Lamb ait été l’ami des premiers poètes romantiques anglais de l’époque, le fait que sa vie ait été marquée et bouleversée par le meurtre de sa propre mère de la main de sa sœur bien-aimée, confèrent à son œuvre un vif intérêt. Personnalité inclassable du Romantisme anglais, dont il est une figure mineure, humoriste amoureux des livres et de la langue du passé, Lamb n’en reste pas moins un chaînon indispensable pour comprendre la scène littéraire anglaise du début du XIXe siècle
The present study aims to provide a carefully annotated translation of the second series of the Essays of Elia which appeared in English periodical magazines between 1820 and 1833. In order to be as complete as possible, this translation includes the passages removed by the author when they were published in book form in 1833. Particular attention has been paid to French translations of individual Elia essays scattered in mid-nineteenth century French magazines as well as to more modern translations of the collected Essays, up to the present day. The Last Essays of Elia was Lamb’s final published work. It was very tempting to look for threads running through his work from the early writings to the LEE. In the critical introduction, we have sought to consider the various aspects of the work of Lamb, who was at the same time a poet, a journalist, a playwright, a theatre critic and a letter-writer before making his name as an essay-writer, breathing new life into the genre, thanks to the Elia persona. The fact that Lamb was a friend of the first English Romantic poets and that his life was blighted by his mother’s murder at the hands of his beloved sister, brings a vivid interest to his work. An isolated figure of Romanticism, a "very reasonable Romantic" himself, a humourist in love with the books and language of the past, Lamb, though a relatively minor author, remains a key link to understanding the early nineteenth-century English literary scene

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Abstract:

Il existe un théâtre des pensées, un espace de création et de jeu où se révèle l’activité pensante. Dans leurs essais, Péguy, Valéry, Artaud et Michaux ont pratiqué un tel théâtre. Par-delà leurs différences, leurs pensées sont remarquables en ce qu’elles cherchent à se représenter à elles-mêmes à travers un modèle théâtral, lequel se configure au point d’intersection de trois théâtres. Le premier renvoie au théâtre réel du premier XXe siècle, qui voit se développer des expérimentations de mise en scène. Les lieux de spectacles et les milieux artistiques dans lesquels évoluent les quatre auteurs abordés participent à la diffusion de ces formes modernes de théâtralité, qui constituent de nouvelles possibilités de représentation dont s’imprègne leur imaginaire. Dans cet imaginaire se déploie un deuxième théâtre, théâtre intérieur auquel diverses voies – mystiques, poétiques (Baudelaire et Mallarmé) et philosophiques (Freud et Bergson) – donnent accès. Un troisième théâtre s’ouvre dans les textes, en se réalisant dans les formes et les valeurs de l’essai. La généalogie du genre, qui passe par Montaigne et Nietzsche, révèle comment, au cœur de l’écriture essayistique, interagissent théâtralisation des pensées et théâtralisation du texte. Une poïétique théâtrale se fonde que les quatre auteurs mettent en œuvre. Les pensées théâtralisées, faisant appel à des figures et des dispositifs qui rappellent ceux qui s’inventent sur les scènes modernes, sont mises en espace, en mouvement et en voix. Les textes veulent donner à voir ce théâtre des pensées où gestes, costumes, décors, éclairages, chœurs, etc., forment des compositions signifiantes
There is such a thing as a theatre of the mind, a space for creation and play, in which the process of thinking is revealed. Péguy, Valéry, Artaud and Michaud have all experienced this in their essays. Beyond the differences that distinguish their works, their thinking processes are remarkable as they seek to reveal themselves through a model that finds its origin at the intersection of three forms of theatre. The first is the actual theatre of the early 20th Century, in which many experiments occur in the art of mise en scène. The stages and artistic settings in which these four authors evolve are vessels for the transmission of new and modern forms of theatricality ; they present the authors with new possibilities as far as performance is concerned, possibilities from which their minds take inspiration. On this inner stage of the mind, a second form of theatre unfolds to which various paths – mystical, poetic (Baudelaire and Mallarmé) and philosophical (Freud and Bergson) – give access. A third type of theatre can then be found in the four authors’ works, through the various shapes and values of essayistic writing. The genre’s genealogy, from Montaigne to Nietzsche, reveals, at its very core, an interaction between dramatizations of the mind and the text. In other words, a theatrical poietic emerges, which the four authors employ. The dramatized thoughts, calling on devices and mechanisms reminiscent of those being invented on modern stages, are put into place and pushed into movement, given a voice. The texts seek to show this theatre of the mind in which actions, costumes, décor, lighting, chorus, etc., intertwine, forming meaningful compositions

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Abstract:

La thèse propose d’étudier les phénomènes actuels de contamination générique entre le récit et l’essai dans la littérature italienne du XXIe siècle, à travers la catégorie de l’essayisme. Elle s’appuie sur les théories de l’essai formulées au XXe siècle, en particulier celles de Lukács, Bense et Adorno, à partir d’un corpus hypercontemporain (Franco Arminio (1960 - ), Vitaliano Trevisan (1960 - ), Tommaso Pincio (1960 - ) et Giorgio Vasta (1970 - ). Si l’essai italien a été surtout circonscrit à la critique littéraire ou politique, ses nouvelles formes, sur fond général d’hybridation entre fiction et non fiction, mettent en crise les catégories existantes. La thèse montre leur continuité avec la tradition depuis Montaigne, celle d’une écriture réflexive organisée par le « je ». L’essayisme italien actuel médite, commente, spécule, autour d’objets divers, et s’autorise pour cela de plus en plus le recours à la narra- tion et à la puissance imaginative. Il est donc étudié comme écriture combinatoire et mimétique qui emprunte des formes aux autres genres (biographie, autofiction, reportage narratif) et puise des procédés littéraires dans le réservoir de la littérature (épiphanies, allégories, dépaysem*nts) au service d’une « pensée en train de se faire ». La recherche montre qu’en alliant pensée, narration et fiction, il fait de sa portée réflexive et de la « thématisation » son pivot organisateur. Elle interroge cette pensée du réel et cette écriture critique en les mettant en regard avec la philosophie, l’anthropologie et la sociologie de notre temps, pour montrer que ces formes d’écritures forment un laboratoire du sens et d’interprétation de notre présent
The dissertation proposes to study current phenomena of generic contamination between the story and the essay in Italian literature of the 21st century, by way of the category of essayism and by drawing on theories of the essay formulated in the 20th century, in particular those of Lukács, Bense and Adorno, considering a hyper-contemporary corpus (Franco Arminio (1960 - ), Vitaliano Trevisan (1960 - ), Tommaso Pincio (1960 - ) and Giorgio Vasta (1970 - ). If the Italian essay has been often confined to the forms of literary or political criticism, its newest forms, renewable in more general contexts of hybridization between fiction and nonfiction, put existing categories in a state of crisis. The dissertation shows that in continuing the tradition of reflexive writing organized around the “I,” (Mon- taigne), current Italian essayism mediates, comments, speculates around a variety of objects, and in doing so, allows itself more and more to resort to narrativity and the power of the imagination. It is therefore studied as a combinatory and mimetic form of writing that borrows forms from other genres (biography, autofiction, narrative reporting) and draws on the literary reservoir for its processes (epiphanies, allegories, estrangement) in order to serve the “thought in the making.” The research reveals that current Italian essayism, in making allies of thought, narration and fiction, presents itself as an ars combinatoria basing its organizational fulcrum on its reflexive scope as well as on “thematization.” It questions this reflection on the real and this critical writing of the present, through their con- sideration alongside the philosophy and anthropology of our time

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Abstract:

Ce travail de recherches interroge l’ensemble des activités artistiques menées par Jean-Philippe Toussaint à l’aube du XXIe siècle. Ces activités déterminent un corpus composé des différentes publications, expositions, installations qui tissent entre elles des liens explicites et implicites. Cette trame immatérielle fonde notre corpus, notre « texte » d’étude étant ainsi constitué de cet entrelacs de propositions artistiques. Ce questionnement convoque plusieurs perspectives que l’on peut distinguer quoiqu’elles soient interdépendantes. La première considère l’inscription de cette œuvre dans une époque déterminée et sa revendication de contemporanéité. La deuxième prend appui sur une réflexion sur les supports, les médiums de la production artistique de Jean-Philippe Toussaint, leurs spécificités, leurs liens participant tout autant de la complémentarité que de la tension. La troisième se réfère à la dimension réflexive de cette œuvre composite qui se donne à voir, qui « s’expose » dans tous les sens du terme, au point de prendre le risque du dévoilement. Notre étude se centre sur une période, 2000-2015, de maturité créative inaugurée par les premières expositions de photographies (Chapitre XII, Bruxelles ; CASO, Osaka), la rédaction de l’opus I, Faire l’amour (publié en 2002) du cycle M.M.M.M. et la publication du recueil Autoportrait (A l’étranger) qui rassemble des textes rédigés à la fin des années 90. Les réalisations artistiques toussaintiennes des années 2000-2015, fictions, essais, catalogue, vidéos, films, expositions, installations, quoique variées établissent toutes une relation avec ses propres écrits, le livre et la lecture ; elles témoignent d’une hom*ogénéité qui repose sur l’omniprésence de l’image scripturale et visuelle, ou plus exactement DES images, qui se superposent, se complètent, s’annihilent, dans des mouvements de synergies comme de conflits. Aussi ces images sont-elles au cœur de notre questionnement qui éclaire la poétique de Toussaint telle qu’elle se manifeste dans ses réalisations et s’exprime dans ses propos. La primauté du regard est ainsi une constante (« La main et le regard, il n’est jamais question que de cela dans la vie, en amour, en art. » La Vérité sur Marie, 2009) qui circule dans toute l’œuvre. Le regard est central car voir, c’est aussi, pour Jean-Philippe Toussaint, penser et rêver, l’image participant tour à tour, et parfois simultanément, de la perception, de l’analyse et du fantasme
This research work questions the ensemble of the artistic activities conducted by Jean-Philippe Toussaint at the dawn of the 21st century. These activities determine a corpus composed of different publications, exhibitions and installations which forge implicit and explicit links in between themselves. This immaterial framework serves as the basis for our corpus, our study “text” thus being constituted of this interlacing of artistic propositions. This questioning convokes several perspectives that can be distinguished even though they are interdependent. The first perspective considers the place of this work in a defined period and its claim of contemporaneity. The second leans on a reflection on the supports, the media of Jean-Philippe Toussaint’s artistic production, their specific features, their links pertaining equally to complementarity and to tension. The third one refers to the reflective dimension of this composite work displaying itself, “exposing” itself in every sense of the word, to the extent of taking the risk of unveiling. Our work centers on a period, 2000-2015, of creative maturity inaugurated by the first photographs exhibitions (Chapter XII, Brussels; CASO, Osaka), the writing of the opus I, Faire l’amour (published in 2002) of the cycle M.M.M.M. and the publication of the collection Autoportrait (A l’étranger) gathering texts written at the end of the nineties. The toussaintian realizations of the years 2000-2015, fictions, essays, catalogue, videos, films, exhibitions, installations, although varied, all establish a relationship with his own writings, the book and the reading; they demonstrate a hom*ogeneity based on the omnipresence of the scriptural and visual picture, or more precisely PICTURES, which are superimposed on each other, complete each other, annihilate each other, in movements of synergies as well as conflicts. Therefore, these pictures are in the heart of our questioning which sheds light on Toussaint’s poetics as the latter manifest themselves in his productions and are expressed in his words. The pre-eminence of the gaze is thus a permanent feature (« La main et le regard, il n’est jamais question que de cela dans la vie, en amour, en art. » La Vérité sur Marie, 2009) which circulates throughout the entire work. The gaze is central because to see is also, according to Jean-Philippe Toussaint, to think and to dream, the picture pertaining, in turns, and sometimes simultaneously, to perception, analysis and fantasy

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Abstract:

La Corse est une île qui symbolise la résistance à la tyrannie. Son histoire est faite d'une succession de révolutions (1729-69) contre les occupations génoise et française dont les périodiques britanniques se sont fait l'écho. James Boswell (1740-95), lors de son Grand Tour (1763-66), rencontre le père de la nation corse, Pascal Paoli (1725-1807), à la tête des rebelles. Il devient le chantre de la liberté pour ceux qui sont, aux yeux de l'Europe éclairée, de braves insulaires. Il commence une campagne de presse effrénée afin de faire intervenir la Grande-Bretagne dans un conflit qui n'est pas le sien. Le volume d'essais que James Boswell a édité, n'a jamais été traduit. L'étude porte sur le texte de "British Essays" et sur son contexte. La traduction et l'appareil critique concernent les vingt essais qui composent le volume. La circulation des idées et des hommes facilitent l'intérêt pour les nouvelles venant de l'étranger dans une société britannique où l'histoire est un genre noble et où la presse se développe dans ces nouveaux lieux de sociabilité que sont les cafés. On s'y adonne à la conversation, art que chacun croit maîtriser et la politique est de tous les débats
The island of Corsica has always been the symbol of resistance to tyranny.Its history was made up of a series of revolutions against the Genoese and French settlements which made the news in the British periodicals.James Boswell(1740-95), while on his Grand Tour(1763-66), met the father of the Corsican nation, Pascal Paoli( 1725-1807), at the head of the rebels.Boswell championed the cause of liberty on behalf of those who were regarded as brave islanders by the enlightened conscience of Europe.He started a frantic press campaign so that Great Britain would interfere in a conflict it did not want to enter. The volume of essays James Boswell published has never been translated. This study is concerned with both the text of *British Essays* and its context.The translation and the critical apparatus bear on the twenty essays which make up the volume. The circulation of ideas and men fuelled the interest in foreign news in the British society where history was a lofty genre and where the press flourished in coffee-houses, those new types of places of sociability. Patrons took pleasure in conversations, an art everyone thought they mastered and politics was on everyone's lips

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Abstract:

L’œuvre de l’Autrichienne Elfriede Jelinek (Prix Nobel de Littérature en 2004) est ici approchée par la bande, c’est-à-dire par les « petit* textes » rédigés tout au long de sa carrière en marge de ses pièces et romans. Textes de circonstance, ces essais reposent sur un paradigme esthétique spécifique que le présent travail se propose d’exposer en revenant à leurs conditions de publication initiales. On s’aperçoit ainsi qu’il s’agit de textes de commande véhiculés par des supports médiatiques différents du livre (revue, tract, programme, internet) et qui impliquent une réception particulière, induite par leur dispersion et leur fugacité. La présentation du corpus se fait sur fond des grandes césures de l’œuvre jelinekienne mais aussi de la littérature autrichienne d’après 1945, recomposant le réseau personnel et professionnel de l’auteur et la réintégrant dans sa génération. Trois chapitres sont consacrés à une analyse détaillée des textes. Celle-ci montre d’abord la genèse progressive de leur thématique centrale, à savoir la possibilité d’une œuvre féminine. Elle s’attache ensuite aux trois principes fondamentaux de leur style que sont l’évidement, le paradoxe et la fluidification. Elle étudie enfin le rapport au lecteur conçu sur le mode du brouillage et de l’interférence, qui permet, pour un temps, de prolonger la vie de textes dont le sens tend à s’obscurcir rapidement. Les notions de relation et de singularité sont placées au cœur de cette thèse, identifiées comme l’enjeu esthétique et politique majeur du corpus mais aussi d’une partie de la tradition du genre dont quelques définitions emblématiques (Lukács, Adorno, Barthes, Marielle Macé, Georg Stanitzek) sont discutées
This thesis discusses the work of the Austrian writer Elfriede Jelinek (Nobel Prize for Literature 2004) from its margins, from a corpus of “short texts” written from the beginning of her career beside her novels and plays. As occasional prose, these essays are grounded in a specific aesthetic paradigm, which this dissertation seeks to define by examining their original conditions of publication. This method brings to light that these are commissioned works, released on very different media formats than a book (journals, flyers, programs and the internet), which have their own mode of reception due to their volatility in space and time. The corpus is presented against the backdrop of Jelinek’s main work and its major turning-points. It is also set in the context of Austria’s post-1945 literature according to the author’s personal and professional network in order to reintegrate Jelinek in her generation. Three chapters are then dedicated to a detailed analysis of the texts. This thesis highlights the slow genesis of their main theme, the possibility of a feminine work of art. Then it studies three characteristics of their style - hollowing, paradox and liquidity. Lastly, it deals with the relation to the reader, conceived as jamming and interference, both allowing, at least for a time, to prolong the text’s meaning, as it otherwise tends to become more and more obscure. Relation and singularity are key notions of this thesis, considered as the main aesthetic and political issues of its corpus, being also part of the essayistic tradition, discussed through some canonical definitions (Lukács, Adorno, Barthes, Marielle Macé, Georg Stanitzek)

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Abstract:

Cyprian ekwensi, romancier populaire : voila une realite objective difficilement contestable. Pour penser differemment, il faudrait se mettre en porte-a-faux avec l'ecrivain lui-meme qui ne s'en cache pas. Les critiques ont eu beau jeu d'exploiter cet aspect. Quand son cote populaire n'a pas ete mis en exergue, le roman ekwensien a ete egalement considere comme un document sociologique. Le bon romancier n'etant ni populaire ni fondamentalement preoccupe de sociologie, les critiques ne sont generalement pas favorables a ekwensi. Qu'il s'agisse du premier ou du second aspect, le lecteur dispose d'une litterature deja abondante. Cependant, au regard des explications fournies par les differents critiques, on se demande si certains d'entre eux ont toujours interprete le texte ekwensien en prenant le temps necessaire et surtout en essayant de se debarrasser de certaines idees preconcues. Le present travail tient le plus grand compte des etudes anterieures; il en recuse certaines, en depasse d'autres. Il se propose surtout de suggerer de nouvelles pistes de recherches susceptibles de contribuer a porter un regard neuf sur l'oeuvre d'un ecrivain dont plus d'un critique aujourd'hui pense qu'elle n'a pas toujours ete appreciee a sa juste valeur ni pour les bonnes raisons
One can hardly deny the objective fact that ekwensi is a popular novelist. To do so one has to contradict the writer himself who readily admits it. This is an aspect of his work critics have been too happy to highlight. Apart from being popular ekwensi's novels have been considered sociological documents. As a good novelist is neither popular nor mainly concerned with sociology, critics in general have not been favourable to ekwensi. A considerable amount of criticism relating to either aspect is available. However after considering the various explanations one wonders whether some critics have not given a hasty and biassed interpretation of ekwensi's work. This author takes into account the previous studies some of which he finds unacceptable or obsolete. His main concern is to suggest new critical perspectives so as to throw a different light on ekwensi's work. Indeed a number of critics today are of opinion that it should be re-assessed as it appears that it has not always been duly evaluated

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Abstract:

Ce travail pose la question du genre littéraire à propos de l'œuvre génériquement instable de l'écrivain contemporain Christian Bobin (1951). Une première partie commence par interroger cette œuvre du point de vue de la fiction narrative – roman et nouvelle – et finit par en étudier la fragmentation intrinsèque. Une seconde partie cherche à repérer ce qui, chez l'auteur, relève d'une littérature de l'intime et peut être rangé dans la catégorie des écritures du moi telles que le journal, l'entretien et la lettre. La troisième partie se penche enfin sur la principale caractéristique de cette œuvre : le lyrisme. A travers l'analyse d'une écriture dans ses rapports à la musique et au chant, cette partie tente d'explorer la manière dont elle – cette écriture – se fait poésie mystique : la tension vers une transcendance devient ainsi chez Bobin une modalité essentielle de la transcendance des genres
This work raises the issue of the literary genre in connection with the generically unstable oeuvre of the contemporary writer Christian Bobin (1951). The first part begins with the examination of this oeuvre from the point of view of narrative fiction – novel and short story – and ends with the study of its intrinsic fragmentation. The second part seeks to locate what is, in the writer, relevant to intimate literature and may be categorized among the writings of the self such as the diary, the conversation and the epistolary writing. The third part eventually examines the major feature of this oeuvre: lyricism. Through the analysis of the relationships between writing, music and singing, this part attempts at exploring the style that brings it together with mystical poetry : and so evoking transcendence becomes, in Bobin's work, the essential modality of the transcendence of genres

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Abstract:

"L'essai de soi ", en tant que méthode littéraire, crée dans l'œuvre de Woolf, Les Vagues, une nouvelle façon de faire littérature, ainsi qu'une nouvelle pensée philosophique. À fin de comprendre comment l'essai exerce une influence sur le travail de Woolf, J'ai analysé Les Essais de Michel de Montaigne, comme une méthode, comme l'exegium, dans ses multiples connotations ainsi que comme processus qui donne naissance à l'essai en tant que genre littéraire, dans son acception moderne. À travers " l'essai de soi " Montaigne et Woolf élaborent leurs propres autoportraits avec des mots. Pour une meilleure compréhension de ce processus j'ai établi des échos avec des philosophes contemporains et avec l'analyse des spécialistes. Pour une meilleure compréhension de " l'essai de soi " par rapport au travail de Woolf, je propose la définition des principes qui définissent la méthode de Montaigne. Ces principes ont été développés comme des axes de " l'essai de soi " sa définition et son interaction à chaque moment de son écriture. Dans le sens d'un " jeu d'abymes ", j'ai visé le centre d'un entrecroisem*nt d'hommages. Celui que Montaigne rend à Etienne de la Boétie, et la relation littéraire que Woolf établit avec Montaigne. Les deux auteurs développent son écriture comme une sorte d'autobiographie, mais ils vont au-delà de ce genre, par le registre du passage du temps et les transformations qui s'opèrent au moment de l'écriture. Les personnages de Woolf sont construits à partir de la variété de multiplicités que chacun en soi, celle que les autres et le regard des autres lui apportent. Les Vagues est une radiographie de l'esprit humain qui est au même temps approche philosophique, l'écriture suit ce que Montaigne décrit comme une forme elliptique de création. Les deux auteurs se basent sur l'expérience humaine, celle qui est commune à tous, là au chacun se rencontre avec l'autre. À travers ce processus, Woolf traduit la philosophie de Montaigne en style narratif.

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Abstract:

Marius Grout (1903-1946) fut essentiellement poète (successivement inspiré par Francis Jammes et Paul Valéry), diariste (à la manière de Maine de Biran) et romancier. Il fut, par ailleurs dramaturge, essayiste, biographe et nouvelliste. Quatre romans publiés chez Gallimard : "Musique d'Avent", "Le Vent se lève", "Passage de l'Homme" (Prix Goncourt 1943, à rapprocher de "Que ma joie demeure" de Giono), "Un Homme perdu" jalonnent, dans un style d'une grande pureté son évolution vers le réalisme ainsi que celle de sa personnalité mystique et sensuelle. Il fait partie de la famille des écrivains, voire des aventuriers, de l'Absolu qui, animés par une réelle inquiétude existentielle, cherchent à déchiffrer l'énigme du monde. Il délivre un message aux nouvelle générations : partir loyalement - sans renoncer à la critique ni aux joies légitimes de la terre - à la recherche des îles bienheureuses
Marius Grout (1903-1946) was essentially a poet (successively inspired by Francis Jammes and Paul Valéry) a diarist (similarly to Maine de Biran) and a novelist. He also wrote dramas, essays, biographies and short stories. Four novels published by Gallimard in a style of great putity. "Musique d'Avent", "Le Vent se lève", "Passage de l'Homme" (which was awarded the Goncourt literary award in 1943 and can be compared to "Que ma joie demeure" written by Giono), "Un Homme perdu" punctuated his evolution towards realism as well as his mystical and sensuous personality. Marius Grout belonged to the group of writers called "the adventurers of Absolute", who had a great concern for existentialism and tried to unravel the world's enigma. He conveys a message to new generation : the aim to look for the blessed islands with loyalty without giving up criticism and the legitimate joys of the earth

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Abstract:

Le théâtre grec, inséparable de l'œuvre de Plutarque, exerce une profonde influence sur son style et sur sa manière. La langue théâtrale se confond, pour ainsi dire, avec le style de Plutarque, au point que l'on peut affirmer que rien de ce qui relève du théâtre grec n'est étranger à l'auteur des moralias et des vies. Par ailleurs, l'on est en droit de reconnaitre que l'influence de la tradition des tragiques et des comiques s'exerce non seulement sur le philosophe de Chéronée, mais aussi, par contrecoup, sur la société de son temps. En effet, force est de constater que cette influence, qui consiste donc surtout dans une imprégnation culturelle et qui permet à Plutarque de disposer d'un vaste vivier d'exemples et de modèles, s'exerce également dans le domaine moral. C'est dans ce sens que l'on peut considérer que le théâtre grec représente aux yeux de l'auteur une école qui lui permet d'expliciter certaines de ses vues psychologiques, philosophiques et morales
The Greek theatre, which is inseparable from the work of Plutarch, has a great influence on his style. So to speak, the theatrical language and the style of Plutarch are one and the same to the extent that it can be asserted that all that is the concern of the Greek theatre is known to the author of the moralia and of the lives. Besides, one is entitled to admit that the influence of the tradition of tragics and comics exerts not only on the philosopher of cheronee, but also as an indirect consequence on the society of his time. Actually, we are forced to notice that this influence, which lays mainly in a cultural impregnation and which allows Plutarch to have a large set of examples and models, exerts also on the moral field. It is to that effect that we can consider that for the author, the Greek theatre represents a school which allows him to clarify some of his psychological, philosophical and moral views

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Abstract:

"Les Exaltés", texte dramatique de l'auteur autrichien Robert Musil (1880 1942), publié en 1921 à Dresde fut longtemps considéré comme "drame à lire"; en 1929 eut lieu la première et unique représentation théâtrale de cette pièce, du vivant de Musil qui dénonça, dans un essai intitule "le scandale des Exaltés", la médiocrité de cette adaptation, mais émit cependant la certitude d'une réception différée et intégrale de son texte. "Les Exaltés" furent depuis lors marqués par ce premier échec et leur légitimité fut sans cesse remise en question. Le premier objectif de la présente étude consistait à réhabiliter la "théâtralité" des "Exaltés" et à souligner ensuite la pluralité de lectures à laquelle leur complexité donne lieu. Une première partie permet de situer "les Exaltés" dans leur milieu d'élaboration, ainsi qu'au coeur d'autres textes de Musil qui, confronté aux tendances théâtrales des années vingt, prend ses distances et formule sa propre conception du théâtre. A une lecture textuelle et analytique qui correspond à la deuxième partie, axée sur les espaces dramatiques qui sous-tendent ce texte, suit dans la troisième partie la présentation de deux lectures scéniques; elles ont fourni par leur succès, ainsi que par leurs écarts d'interprétation, l'illustration parfaite de l'appartenance des "Exaltés" au genre dramatique et de la densité poétique qui caractérise ce texte trop longtemps méconnu; il s'agit des mises en scène de Vienne (1980) et de Berlin (1981) qui ont ouvert à cette pièce la voie d'accès dans les répertoires de théâtres internationaux. Il ets en effet permis de considérer aujourd'hui la non-conventionnalité des "Exaltés" en 1921, comme le signe avant-coureur de leur actualité dans les années quatre-vingt
"Die Schwärmer", dramatic text by the austrian author Robert Musil (1880 1942), published in 1921 in dresden was for a longtime considered as "a play to read"; in 1929 was presented for the first and only time during the life of musil who denounced, in a essay entitled "Der Schwärmerskandal", the mediocrity of the adaptation of his text. "Die Schwärmer" was from this moment on marked by this first defeat and its dramatic aspect constantly questioned. The first objective of the present study consisted in rehabilitating the "theatricality" of "Die Schwärmer" and to bring out the plurality of different readings which causes its complexity. A first part situates "Die Schwärmer" in the social surrounding in which it was elaborated and among the texts of musil, who confronted with the tendances of the "twenties" takes his distance to conceive his own theatrical form. To a textual and analytical lecture of the second part axed on the dramatical spaces that constitute this text, follow the presentation in the third part of two scenic readings; they provided by their success, and even by their differences in interpretation, the perfect illustration of the belonging of "Die Schwärmer" to the dramatic style and the poetic density which characterizes this text which remained for a longtime misappreciated; there is question here of two representations in vienna (1980) and berlin (1981) that opened the road to this play in the repertories of the international theaters. Indeed, one is allowed today to consider the non-conventionality od "Die Schwärmer" in the twentires, as the foreunner of its actuality in the eigthies

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Abstract:

Ce travail met en lumière l'émergence de l'essai comme genre littéraire en France au XXe siècle en associant deux hypothèses. La première porte sur l'institution du genre : on montre que l'essai s'intègre au système des genres comme pôle majeur, permettant à la littérature de s'approprier le territoire de la pensée. La seconde porte sur le rapport entre essai et fiction, et fait de l'entrée en, dialogue avec le roman et de la mobilisation des modèles de la fiction un élément décisif de cet accès au genre. La thèse comprend trois parties. Une réflexion théorique précise le type de généricité de l'essai : filiation avec Montaigne, diversité des usages occidentaux, rapport entre littérarité et rhétoricité. L'enquête historique se concentre sur trois moments : reconnaissance du genre autour du milieu NRF, débat critique et réorganisation des champs avec Sartre et Bataille, entrée en théorie autour de Barthes. Une étude de poétique du genre en décrit l'invention, la disposition et l'élocution.

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Abstract:

La période ciblée se situant entre 1900 et 1949, la prise en compte de facteurs historiques, la référence à des oeuvres antérieures dites "pour la jeunesse" et l'approche d'écrits divers de cette époque permettent de déterminer les bases de la littérature pour enfants comme objets littéraire. A partir de l'étude des romans pour enfants d'Erich Kastner, auteur allemand, il s'agit de dégager les éléments spécifiques ayant présidé à la naissance d'un genre pour les enfants (les écrits pour les adolescents ne sont pas l'objet de cette étude). En parallèle à l'intérêt tout particulier accordé aux différents aspects de l'oeuvre d'un écrivain d'origine allemande dans un contexte historique singulièrement riche, la portée mondiale de cette littérature se révèle comme un critère primordial des tendances nouvelles. La reconnaissance de la littérature pour enfants est un phénomène contemporain : le genre est en évolution constante depuis son émergence, d'autant qu'il s'adresse à un public toujours nouveau, l’enfant
The periode of time targeted here stretches from 1900 to 1949; taking into account historical factors, refering to earlier so-called "works for the young" and probing into various writings from that particular period, enable to locate the bases of a children's literature in its own right. From the study of novels for children by Erich Kastner, a German writer, the purpose is to derive the deciding factors that helped establish a literature specific to children (writings for teenagers have been left out of this study). Along with the very special interest granted to the various aspects of the works of a writer of German extraction, in a historical context rich in events, the worldwide scope of this literature shows itself as a criterium of the utmost importance in modern trends. The acknowledgement of children's literature as such is a contemporary more as it is intended for an ever renewed public, the child

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Abstract:

Ce travail se donne pour objectif d’engager une réflexion sur l’oeuvre de Claude Esteban,qui inclut la poétique, la théorie de la traduction, ainsi que la critique littéraire etartistique. Mettant l’accent sur l’instabilité de sa conception du langage, qui oscille entrele régime du signe et le régime du discours, on montre que la particularité de sa pratiqueréside dans une tension dialectique entre l’historique et le métaphysique. L’analyse de lapensée du langage, dont relèvent tous les systèmes de signifiance, permet de maintenir lasystématicité de l’oeuvre, mais aussi de dégager son mode de fonctionnement. Tout ensuivant la démarche tâtonnante de Claude Esteban, qui s’est manifestée dans le choix del’essai comme forme critique, on privilégie son point de vue historique sur l’art et lalittérature, qui s'attache à mettre en évidence la valeur propre des oeuvres, leur spécificité
The study reflects on the work of Claude Esteban, including his poetics, translation theoryand literary and artistic criticism. Emphasising the instability of Esteban’s conception oflanguage, which fluctuates between a focus on signs and a focus on discourse, we showthat the specificity of his work lies in a dialectic tension between history andmetaphysics. An analysis of his approach to language – on which all systems of meaningare based – preserves the systematic nature of Esteban’s work while also revealing how itworks. Guided by Esteban’s own tentative approach, as evidenced by his choice of theessay as a critical form, we concentrate on his historical approach to art and literature,which underlines the inherent value and specificity of his works

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Abstract:

Au lycée, comme ailleurs, la vie quotidienne peut s'avérer riche d'imprévus et il arrive que l'essai de français devienne le lieu d'une réflexion sur les évènements vécus en classe. Les essais analysés dans cette étude ont été écrits par des élèves préparant un Brevet d'Etudes Professionnelles. Répondant à la consigne de l'exercice, les élèves y résument un débat qui a eu lieu en classe puis donnent leur avis sur l'un o"point de vue personnel" sur des sujets discutés. Dans ce travail, on propose une réfexion sur la notion de point de vue et on s'attache à analyser, dans le style de la mise en mots, la diversité des points de vue réflexifs. Le choix d'une telle approche nous conduit à observer, entre autres, les tensions entre le narratif et l'argumentatif introduites par le caractère composite du genre demandé, les tensions notionnelles qui peuvent marquer les comptes rendus du débat comme les exposés d'avis personnel, les façons dont l'auteur apparaît dans son texte
Reflexive writing at schoool : views, writing manners , text movements. At school, a French essay can offer the opportunity to reflect on school events. The essays analysed in this survey have been written by students preparing a Brevet d'Etudes Profesionnelles (Exam taken after a two-year vocational course following secondary-school). The students were assigned to give an account of a class debate then to speak their mind on one of the points debated. The paper presents a reflection on the notion of point of view, along with an analysis of the diversity of views illustrated by speaking manners. Such an approach allowed me to focus on some not only on the strains between the narrative and the augmentative linked to the complexity of the essay, but also on the notional strains thet may come up both in debate accounts and in the way personal views are expredded. This paper also gets into the position the student holds in his text

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Abstract:

A partir de quatre pieces ecrites a la fin du franquisme et plus particulierement de l'une d'entre elles portrait de dame au petit chien, ce travail explore toutes les formes de metatheatralite qui fondent l'originalite dramaturgique de l'oeuvre de luis riaza. Partant de la methode proposee par michel vinaver, l'analyse montre qu'aucun des elements integrant la structure dramatique (personnages, action, theme, espace, temps etc. . . ) n'echappe a un processus generalise de mise en abyme. Dans la dramaturgie rituelle de riaza, qui se definit ainsi par sa propension a la speculante et par une reflexivite obsessionnelle, c'est la theatralite meme qui se trouve thematisee. La representation theatrale, a l'instar de la representation mentale, devient exemplaire des illusoires mecanismes de la conscience prise dans les rets d'un desir - qui n'est que desir mimetique - et d'un langage -qui la contraint autant que le rite contraint la dramaturgie -. Dans ce << cycle du pouvoir >> qui dramatise davantage une << volonte de toute puissance >> que le pouvoir lui-meme, les dramaturgies de la modernite, qui avaient legue a l'oeuvre son instabilite structurelle et l'eclatement de ses formes, se trouvent depassees dans une distanciation parodique induisant un point de rupture dans l'histoire du theatre espagnol contemporain. Ainsi pourra-t-on glaner dans cette oeuvre composite, eclectique et ironique les traces de ce que la sociocritique appelle << le sujet culturel postmoderne >>.

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Abstract:

Cette étude de l'œuvre de Mallarmé est centrée sur le problème de la lecture. La notion de lecture consiste d'ordinaire à déchiffrer un texte pour prendre connaissance de son contenu ou de son sens. Nous voulons questionner cette notion en faisant basculer l'action du déchiffrement vers l'acte de produire du savoir et de la signification, c'est-à-dire en étudiant l'activité critique interne au texte. Notre étude est une lecture de Mallarmé qui excède le commentaire afin de montrer la mise en scène du texte. Ainsi essaierons-nous, à partir de la crise célèbre qui obligea le jeune Mallarmé à remettre en cause tout l'héritage poétique, et jusqu'au fameux rêve du Livre, d'étudier la théâtralité de l'écriture et de la lecture dans et par l'œuvre de Mallarmé. La critique de la lecture chez Mallarmé revendique la lecture critique pour toute œuvre qui rend "meilleur" son lecteur, ou "musicien" son auditeur (avec "cette musique [qui] tient l'auditeur pour intelligent et même pour musicien […] je deviens meilleur […]. Meilleur musicien, aussi, et meilleur auditeur" dit Nietzsche), puisqu'une œuvre ne se donne à exécuter ni mieux ni différemment
This study of Mallarmé's work focuses on the question of reading. The notion of reading usually consists in deciphering a text to discover its content or its meaning. We seek to question this notion by swinging the act of deciphering in favour of the act of producing knowledge and significance, that is, by studying the text's inner critical activity. Our study is a reading of Mallarmé's work which goes beyond the mere commentary in order to uncover the "mise en scène" of the text. Thus, from the well-known crisis that forced young Mallarmé to question the whole poetic inheritance, to the famous dream of the Book, we will endeavour to survey the theatricality of writing and reading within and by Mallarmé's work. The critique of reading in Mallarmé's work claims a critical reading for every work that makes the reader "better", or makes the listener a "musician" (with "this music [that] takes the listener for an intelligent person, for a musician […] I become a better man […] also a better musician, a better listener", says Nietzsche), since a piece of work is to be carried out no better nor differently

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Abstract:

Ce travail porte sur l’œuvre et le parcours littéraire d’un auteur français de l’époque symboliste : Paul Adam (1862-1920).Originaire du nord de la France, Paul Adam s’installe à Paris pour tenter la carrière de romancier, suivant en cela la trajectoire de nombreux écrivains de la fin-de-siècle. Les différentes stratégies qu’il adopte pour se faire une place dans le monde des lettres dévoilent la constitution du champ littéraire, qui gagne en autonomie tout au long du XIXe siècle. En particulier, elles illustrent le parcours typique d’un jeune romancier de l’avant-garde symboliste, et témoignent de la volonté des auteurs de doter l’activité littéraire d’une autorité nouvelle qui lui soit propre. Les outils de la sociologie de la littérature, mobilisés pour décrire cette trajectoire, introduisent et enrichissent l’étude de l’œuvre en articulant celle-ci avec ses conditions de production et de réception.L’analyse littéraire proprement dite a montré que le choix de la forme romanesque chez Paul Adam est indissociable d’une conception du monde héritée des doctrines de la Cabale, selon laquelle l’univers serait divisé en pôles féminin et masculin. Le genre, au sens de représentation sociale de sexe, a servi de prisme d’analyse à la production romanesque de l’auteur et, pour cela, a dialogué tout au long de ce travail avec le genre littéraire. L’inscription de Paul Adam dans les enjeux sociaux et politiques de son siècle l’a amené à repenser les identités de genre de ses personnages et à questionner les rapports de pouvoir en résultant.Néanmoins, l’imbrication étroite et constante entre l’imaginaire masculin de la fin-de-siècle, les doctrines cabalistiques et les changements politiques du temps, aboutissent à des contradictions nombreuses dans le traitement du genre. Les revirements importants de l’écriture de l’auteur et de ses engagements politiques montrent que la forme littéraire est foncièrement liée à sa conception particulière et mouvante des représentations de genre.Finalement, l’évolution d’une pensée riche et complexe, qui s’est exprimée dans une œuvre littéraire extrêmement prolifique et variée, trouve l’un de ses points de résolution dans la volonté de distinction qui a animé l’auteur au cours de sa carrière
This thesis analyzes the literary work and career of a French symbolist novelist : Paul Adam (1862-1920).Born in the North of France, Paul Adam goes to Paris like many other writers of the “fin-de-siècle” in order to begin a writing career. The different strategies he adopts to become a leading author reveal the organization of the literary field becoming at that time more and more autonomous from the political power. These strategies convey the typical message of the young symbolist novelists and express the authors’ will to give literature a new kind of authority. The tools of the sociology of literature, used to describe this path, introduce and throw light on the study of the literary work by articulating it with its production and reception conditions.The literary analysis shows that in Paul Adam’s work, the novelistic form is an integral part of an idea of the world inherited from kabbalistic doctrines which assert that the universe is divided into two distinct poles : masculine and feminine. Gender, meaning social representations of sex, is the basis for the analysis of the author's novels, and, in this purpose, is closely linked with literary genre. Paul Adam’s involvement in political and social issues of his time lead him to wonder about the gender identities of his characters, and the relationships with the power resulting of them.However, the constant and close link between the masculine imaginary of the “fin-de-siècle”,the kabbalistic doctrines and the political changes lead to many contradictions in gender representations in the novels.The considerable changes of mind in Paul Adam’s writings and political commitments show that the literary form is inextricably linked to his particular and changing view of gender representations.Finally, the evolution of this rich and complex thought expressed in an extremely prolific and varied literary work, can be explained by the desire of recognition that Paul Adam nourished throughout his career

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Abstract:

Cette thèse a pour objet de mettre en évidence le caractère central de la problématique de la fin et des moyens dans l'œuvre d'Edward Bond. Le premier chapitre examine comment cette problématique constitue le fondement de la dimension politique de l'œuvre. Dans cette perspective après une évocation du théâtre militant de l'auteur, les différents cycles qui composent son œuvre sont étudiés successivement. Le second chapitre examine comment la problématique de la fin et des moyens détermine et conditionne l'esthétique bondienne, grâce au principe de "dramatisation de l'analyse" conditionnant la structure des pièces, apparent dans les sous-titres, les scènes-écho, et les scènes à foyer multiple. Le troisième chapitre examine comment la problématique de la fin et des moyens sous-tend la dimension éthique de l'œuvre, à travers des procédures de distanciation spécifiques. Le dépaysem*nt et l'historicisation, les songs, les "public soliloquies", les chœurs, et les accessoires sémiotisés y sont étudiés dans cette perspective. Le dernier chapitre se concentre sur le spectateur, considéré a la fois comme l'aboutissem*nt de l'entreprise bondienne, et comme le relais de cette entreprise dans le monde. La question d'un mode de réception nouveau des œuvres dramatiques y est posée, à travers l'étude des personnages bondiens, des "aggro-effects", et du moment de clôture des pièces. Cette étude s'achève sur la question de la place d'Edward Bond dans les mouvements de pensée contemporains. Une attention particulière est portée à sa position par rapport au courant post-moderne
This thesis aims to prove the centrality of the question of means and end in the work of Edward Bond. The first chapter examines how this question is at the root of the political dimension of edward bond's work. In this perspective, after a survey of his militant theatre, the various cycles of plays which constitute his work are successively discussed. The second chapter examines how the question of means and end determines and conditions bondian aesthetics, thanks, in particular, to the principle of "dramatization of the analysis", which conditions the structure of the plays, and which is apparent in the sub-titles, the echoing scenes, and the multi-focused scenes. The third chapter examines how the question of means and end underlies the ethical dimension of edward bond's work, through specific distanciation procedures. Delocalization, historicization, songs, "public soliloquies", choruses, and semiotized props are here discussed in this perspective. The last chapter focuses on the spectator, considered both as the end of the bondian enterprise, and as its relay in the real world. The question of a new mode of reception of dramatic works is posed, through the discussion of bondian characters, "aggro-effects", and the endings of the plays. This study ends by examining the place of edward bond in contemporary trends of throught, with a particular emphasis on his position in relation to post-modernism

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Abstract:

Du dialogue de Sartre et B. Lévy, la seule trace écrite sont les entretiens publiés peu avant la mort de Sartre sous le titre de L'Espoir maintenant. Chacun des deux penseurs a affirmé l'importance de ce dialogue pour lui, mais le scandale lié à la publication des entretiens a rendu difficile leur prise au sérieux malgré ces déclarations. Nous avons voulu les prendre résolument au sérieux, ce qui nécessitait d'abord de les resituer dans le cadre plus vaste du dialogue Sartre-Lévy, qu'il fallait commencer par reconstituer. La mise à disposition des archives personnelles de B. Lévy a rendu possible cette reconstitution. Nous avons par ailleurs travaillé sur les nombreux enregistrements des entretiens. Enfin, nous avons réuni une série de conférences et d'articles témoignant du travail commun des deux penseurs. Le dialogue ainsi reconstitué, nous avons alors relu les entretiens publiés et avons tenté de les interroger du point de vue du dialogue dans sa totalité. Cette interrogation impliquait de revenir aux textes antérieurs de Sartre ainsi qu'à ceux, postérieurs, de Benny Lévy. Nous découvrîmes ainsi que le dialogue pouvait être considéré comme événement de la rencontre de deux pensées ou, mieux de deux voix se faisant et se mesurant l'une à l'autre dans le moment même où elles se faisaient. « Texte » concentré, riche d'innombrables échanges préalables, L'Espoir maintenant nécessite d'être explicité afin de livrer ses enjeux réels et sa signification. Ainsi, le dialogue, loin de n'être qu'une forme externe donnée à la pensée, propose - c'était le projet même des deux penseurs - une nouvelle forme de pensée que Sartre appelait « pensée du nous »
The only trace left from Sartre and Benny Levy's dialogue is the publication of their interviews called Hope now (L'Espoir maintenant) not long before Sartre's death. Sartre and Lévy both declared how important this dialogue had been for them, but the scandal that followed the publication of the interviews prevented them from being taken seriously. It is now time to consider these interviews more objectively. In order to do so, we had to place them back in the vaster context of the Sartre-Lévy dialogue and that dialogue first had to be reconstituted. The opening of Benny Levy's personal archives made it possible. This source was completed with numerous recordings of the interviews as well as a series of conferences and articles which showed evidence of the common work Sartre and Lévy had undertaken. Once the reconstitution was made, we decided to reconsider the published interviews with the globality of the dialogue in mind. This approach required going back to previous texts from Sartre or consulting posterior ones from Benny Lévy. It showed this dialogue as the interaction of two thoughts confronting each other and taking shape at the same time. Hope now is a very dense text, based on countless preliminary exchanges, that needs explanations to be fully comprehended and to understand what is at stake. It turns out that the dialogue, rather than being an anecdotic form occasionally taken to express a thought, actually gives birth to a specific form of thought, which Sartre himself used to call "Pensée du nous" ("thought of the we")

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Abstract:

Le présent travail est composé de l'édition complète du théâtre de Jean Desmarets (1595-1676). Cet écrivain qui s'essaya à presque tous les genres littéraires occupa, durant une courte période, une situation clé dans le théâtre du XVIIe siècle. Il fut de 1636 à la mort du cardinal de Richelieu (1642), le dramaturge officiel de celui-ci, prenant le relais des éphémères " Cinq-Auteurs " et devenant ainsi l'acteur principal de la politique culturelle et théâtrale engagée par son mécène. Outre le travail proprement éditorial consistant à établir les textes, à relever et examiner les variantes, à annoter les œuvres, nous avons étudié les conditions de création de chaque pièce, les sources et la manière dont Desmarets les a exploitées. Enfin, aussi bien dans l'introduction générale que dans la présentation de chacune des œuvres dramatiques éditées, nous nous sommes efforcée de répondre à la principale question posée par la critique depuis trois siècles et demi : dans quelle mesure la situation inédite de Desmarets auprès de Richelieu a influencé son théâtre, autrement dit quelle est la part du politique et la part esthétique (entendue au sens des codes génériques, rhétoriques et thématiques qui constituaient le théâtre de cette époque) dans la création de ses sept pièces : Aspasie (1636), Les Visionnaires (1637), Scipion (1638), Roxane (1640), Mirame (1641), Erigone (1642) et Europe (1642)
The current work is composed of the complete edition of theatre by Jean Desmarets (1595-1676). This writer, who experimented with nearly all literary genres, occupied for a short period a key position in, seventeenth century theatre. From 1636 until the death of the Cardinal Richelieu (1642), he was Richelieu's official playwright, taking over from the "Five Authors" and thus becoming the principal actor of cultural and theatrical policies taken on by his superior. In addition to the truly editorial work of establishment the texts, nuancing and establishing the variations and annotating the works, we have studied the conditions of the creation of each text, the sources and the way that Desmarets used them. Finally, in the general introduction, as well as in the presentation of each of the dramatic works edited, we felt compelled to reply to the main question asked by critics for three and a half centuries : how far did the unusual situation of Desmarets with regard to Richelieu influence his theatre, or in other words, how much of it is political and how much is aesthetic (understood in the sense of generic codes, rhetoric, and themes which constitute the theatre of this period) in the creation of his seven pieces : Aspasie (1636), Les Visionnaires (1637), Scipion (1638), Roxane (1640), Mirame (1641), Erigone (1642) et Europe (1642)

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Abstract:

Pendant la Restauration, sous l'influence des modifications du champ littéraire, le genre romanesque instaure une nouvelle relation entre l'auteur et son lecteur. Le choix du roman est souvent présenté comme un sacrifice consenti au marché de l'édition, mais il permet surtout aux écrivains d'explorer les potentialités d'une forme littéraire et d'un médium - le livre - capables de donner naissance à un nouveau lecteur dans un public anonyme en voie d'élargissem*nt. L'étude de la librairie romantique ainsi que celle du péritexte et du texte des romans de Nodier, Hugo, Balzac, Stendhal, Vigny et Mérimée publiés entre 1818 et 1829 éclairent les enjeux et les modalités de ce processus. La communication littéraire de la Restauration semble exprimer la nostalgie d'une culture orale en déclin. Pourtant, en dépit de sa dimension rhétorique, le texte romanesque construit son lecteur dans les détours des dispositifs énonciatifs qu'il affiche. Tour à tour didactique, sensible, complice, ludique, le lien intersubjectif entre l'auteur et le lecteur se noue dans l'ébranlement des certitudes morales acquises, dans une « vibration affective » partagée et dans un jeu implicite avec les clichés de la « Littérature marchande ». Présente dans ces échanges, l'ironie révèle l'auteur dans les équivoques de la voix narrative ; toutefois, elle s'exerce également contre lui. De fait, la communication romanesque repose aussi sur la quête d'un auteur insaisissable. Ce jeu de piste ambigu permet de contester la lecture biographique, version trop réductrice du « sacre de l'écrivain », tout en conviant le lecteur à explorer les légendes d'un mythe de l'auteur en voie de constitution
During the Restoration in France, under the influence of numerous changes in the book market, the novel brought about a new relationship between authors and readers. Choosing to write novels is often seen as a sacrifice that Romantic writers made to the exigencies of the publishing world, but in fact, such writers wanted to explore the potentialities of a literary form and of a medium - the book - to create a new kind of reader in an increasingly large and anonymous public. The study of the Romantic publishing world and the analysis of the texts and peritexts of novels by Nodier, Hugo, Balzac, Stendhal, Vigny and Mérimée published between 1818 and 1829 cast light on the enunciative modalities of such a process. The Romantic relationship between authors and readers was not based on nostalgia for a declining oral culture. In spite of its rhetorical dimension the novel constructed its reader in the interstices of the enunciative System disclosed by the text. Alternatively didactic, tender, friendly, playful, literary communication was established by undermining established moral certitudes, sharing an "affective vibration" and playing implicitly with commercial novelistic forms. Irony was part of the process : it revealed the author behind the narrator, while nonetheless endangering the author figure itself. Indeed, the construction of the new literary relationship was partly based on the ambiguous search for a "catch-me-if-you-can" author. Thus, Romantic novelists criticized biographical reading, which is usually considered part of what Paul Benichou has called the "sacre de l'écrivain", but they also led the reader to explore the legends of an emerging authorial myth

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Abstract:

Piarres Larzabal, auteur dramatique du vingtième siècle, a participé à l'émergence d'un nouveau théâtre en langue basque. Son oeuvre et sa représentation représentent un tournant essentiel pour la résurgence de l’attachement à la culture basque. Ce théâtre était au mileu d'un réel projet culturel cherchant la qualité de la production autant chez les auteurs que chez les acteurs culturels du moment. L' objectif principal de cette recherche consiste à apporter un nouvel éclairage sur une période du théâtre en langue basque et de son lien avec l’affirmation identitaire. Nous avons d'abord étudié l’histoire du théâtre basque. Il s’agit ici d’un chapitre important car l’art dramatique en langue basque a créé des formes différentes d'expressions scéniques à travers le temps. Puis, il fallait contextualiser ce théâtre en langue minorisée et connaître le théâtre en langue dominante. . Nous avons aussi effectué un travail plus empirique en étudiant plus concrètement les caractéristiques majeures des principales pièces de l'auteur, après avoir épluché sa biographie afin de mieux comprendre son projet et son temps. Pour clôre cette analyse, deux aspects importants nous semblaient déterminants à examiner: tout d’abord, l’accueil de son œuvre auprès du public ainsi que les idées fondamentales qu’elle véhiculait et qui faisaient de ce théâtre un théâtre identitaire, que l’on connaît encore aujourd’hui
Piarres Larzabal, playwright of the twentieth century, was an important partner of the Basque theatre. His plays have always been appreciated by the public. His work represents, nevertheless, an essential turning point for the resurgence of the attachment to the culture. Piarres Larzabal played a decisive role in this period. His objective consisted in making of this theatre of patronage a theatre of which all would be proud. A theatre organized in the villages, leaning on groups existing around the priests, groups which took care of the entertainment and the young people. Because it is indeed the young people who are going to invest at first in this theater. A social phenomenon is going to get organized around the theatre, presenting various facets and touching, over the years, all the generations of Basque-speakers. For the organizers, and as this organization took shape, it seemed evident that it was necessary to look for quality, to satisfy the public by proposing to them better and better elaborated works. Beyond this objective, other important elements are going to appear, such as a space of communication in Basque. We shall describe this space which was an answer to the disappearence of the official, public space of the Basque language. The theatre offered then the possibility of creating a new space where the communication, the word was in Basque. It is a movement which settled down spontaneously and gradually, unpretentious, without real awareness of its importance in the collective consciousness. It was a large-scale cultural action, with a considerable impact in the Basque-speaking world

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Abstract:

Mon travail de recherche comprend quatre parties essentielles : I une biographie, portrait-anatomie du sujet "IL", Cyril-William Tourneur ; II une traduction de "The Atheist's Tragedy" ; III la concordance de l'œuvre dramatique attribuée à Cyril Tourneur ("The Atheist's Tragedy" ; "The Revenger's Tragedy") ; IV l'étude d'une méthode lexicométrique et stylostatistique dans sa relation avec les problèmes de paternité textuelle et son application à l'œuvre de Cyril-William Tourneur
My research work includes four essential parts : I a biography, portrait-anatomy of subject "HE", Cyril-William Tourneur ; II a translation of "The Atheist's Tragedy" ; III the concordance to the dramatic works attributed to Cyril Tourneur ("The Atheist's Tragedy" ; "The Revenger's Tragedy") ; IV the study of an analytical method based on lexicometry and stylostatistics, and its application to works attributed to Cyril Tourneur to solve some of the problems related to textual authorship

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Abstract:

Reunissant en lui seul les caracteristiques essentielles de grands courants esthetiques modernes, le theatre d'adamov est d'une importance inegligeable. Etant donne son evolution permanente, nous sommes amene a le diviser en trois periodes dans notre etude. La premiere est celle de "subjectivite". Moyen d'exorcisme, ce theatre a surtout pour fonction de communiquer au public tout ce que l'auteur ressentit de la vie: souffrance, solitude, separation, etc. Rejetant la souverainete du sire le mot, adamov preconise un theatre vivant, lie "absolument, corporellement et entierement" a la representation. D'ou la place privilegiee de la gestuelle. Mais la subjectivite se voit particulierement dans l'onirisme dont l' importance s'accroit de plus en plus, dans le traitement de l'espace et du temps, ainsi que dans l'exploitation des objets. La seconde periode, dite "objective", resulte de son contact avec le theatre epique de brecht. Marxiste demi-converti, adamov a une conception du monde differente. Le theatre qu'il exige est un theatre "total", capable de rendre compte de tous les aspects de la vie. Ainsi le moi solitaire et souffrant fait-il place a des evenements historiques et a des personnages qui menent des activites sociales dans un espace et un temps definis. Par biais de la "desolidarisation", ce theatre objectif incite le public a la reflexion et a la critique de la societe. Or, ni le subjectif ni l'objectif ne semblent avoir apporte la satisfaction a adamov qui, tente de s'en sortir avec le melange des deux. Ainsi s'ensuit-il que ce theatre finit par etre subjectivo-objectif ou se reunissent le conscient et l'inconscient, le reel et l'irreel, le curable et l'incurable. Il s'agit donc d'un theatre qui est a la fois un moyen d'exorcisme et de denonciation. Grace a cette nouvelle esthetique, adamov a pu produire les deux chefsd'oeuvre: off limits et si l'ete revenait. Tout en affirmant la difference des trois periodes, nous devons souligner qu'il ne s'agit que d'une difference de degre et non de fond, et que le theatre d'adamov represente une unite impressionnante
The theatre of adamov, which combines the essential characteristics of some principal modern aesthetics, is one of the most important in the contemporary french theatrical history. Considering his continuous evolution, we have divided it into three periods in our study. The first is the period of "subjectivity". As a way of exorcism, this theatre has above all the function to communicate to the public the author's feelings like suffrance, loneliness, separation, etc. Rejecting the sovereignty of "sire le mot", adamov advocate a "living theatre", linked "absolutely, corporally and entirely" with the performance in which the gesture occupies the main place. But the subjectivity is particularly obvious through the increasing importance of the "onirisme", the treatment of the space and the time, and the manipulation of objects. The second, called the "objective", is the result of his contact with the brecht epic theatre. Semi-marxist, adamov has a new conception of the world. Therefore, the theatre he seeks is a "total theatre", capable of giving an account of every aspect of the life. The me, solitary and suffering, is replaced from now on by the historical events and by those who have their social activities within the definite space and time. This objective theatre incite the public to reflection and to criticizing the society, through the process of "desolidarisation". However, neither the first nor the second has given the satisfaction to adamov who tries to combine them. Consequently, the final period is that of "subjectivo-objectivity". In this theatre, the conscious coexists with the unconscious, the real with the unreal and the curable with the incurable. It is a tool of exorcizing as well as of denunciation. Due to this new aethetics, adamov has produced two masterpieces: off limits and si l'ete revenait. In spite of the difference of these periods, we must stress on the fact that the theatre of adamov represent an undeniable unity

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Abstract:

Il s' agit d' une recherche sur l' esthétique de l' œuvre du dramaturge le plus important du Mexique à l' heure actuelle. La recherche est basée sur le concept d' herméneutique de Hans-Georg Gadamer, l' analyse du théâtre de Jean Pierre Ryngaert et l' esthétique de la reception de Hans-Robert Jauss. La thèse a trois chapitres: 1. - Sur l' approche théorique et méthodologique. 2. - L' esthétique carballidienne dans six œuvres; 3. - Le dramaturge Emilio Carballido dans le contexte du théätre mexicain. Le corpus de la thèse embrasse les six œuvres suivantes: La danza que sueñala tortuga, Silencio pollos pelones ya les van a echar su maiz (sans traduction), El mar y sus misterios, Vicente y Ramona, Zorros chinos, Difuntos de fin de siglo. Les conclusions portent sur l' estructure des œuvres, le langage et le discours des dialogues employés par le dramaturge; Les conclusions developpent les motifs principaux de l' idéologie de l' auteur. La recherche s' appuie sur une bibliographie de 90 références. En plus les références sur les textes écrits sur le dramaturge et aussi les références des notes explicatives de chaque chapitre. La thèse présente des annexes: Une chronologie des œuvres, des intervews et des photographies
This Thesis is a research about the aesthetics of the most important playwrite of Mexico. This work is based on the theories of Hans-Georg Gadamer' hermeneutic; Jean-Pierre Ryngaer and Anne Ubersfeld' theatre analysis; Hans-Robert Jauss' reception aesthetic. The Thesis has three chapters:1. - Theoric and methodological approach2. - Emilio Carballido' Aesthetics3. - The author in the context of mexican contemporary Theater. The corpus included studies about six dramas of Emilio Carballido in relation with anothers of his playwrites. Conclutions are directed in the field of text structure, languages, and the ideological context employed by the author. The thesis has 90 biblliographics notes. There are six interviews, plays' photos, and a choronology

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Abstract:

La folie est une ecriture du discontinu. Elle se caracterise par l'emploi de certains procedes rhetoriques qui expriment des pulsions. Eugene ionesco adapte cette ecriture a son theatre parce que, par essence, le theatre et la folie appartiennent au monde de l'illusion et du desequilibre. La folie dans le theatre d'eugene ionesco n'est pas une maladie mentale, elle est une esthetique qui se manifeste par le jeu des mots, des objets et de l'image. L'auteur prend plaisir a destituer le mot de son trone pour le remplacer par le langage scenique (objet, lumiere, son, geste). Pour consolider notre these, nous nous sommes interesses a quelques mises en scene de la cantatrice chauve et de la lecon pour visualiser les differentes formes de cette folie. L'angoisse, l'euphorie et le desir sont fixes par l'image. Le theatre d'eugene ionesco est un theatre de la folie, mais il s'agit d'une folie qui n'est nullement affectee par la debacle de l'autre
Madness reflects a kind of discontinuous writting. It is characterized by the use of certain rethorical devices which express specific states of mind. Eugene ionesco adapts this procedure to his theater because by definition both theater and madness belong to the realm of illusion and unbalance. Eugene ionesco doest not treat madness on his theater as a mental illness, but rather as an esthetic game in which one plays with words, objects and images. The author enjoys destituting words from their throne to replace them by scenic language (objects, lighting, sounds, movements). In order to corroborate our hypothesis, we have analysed some representative settings of "la cantatrice chauve" and "la lecon" to reach a visualization of the different aspects of this madness, anguish, euphoria and crave are frozen into images. Eugene ionesco's theater of madness, but this madness is not affected at all by the defeat of the other self

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Abstract:

La thèse porte sur l’œuvre théâtrale du dramaturge irlandais Frank McGuinness, qu’il décrit lui-même comme « un théâtre de célébration ». Nous y interrogeons la nature et l’objet de ses célébrations théâtrales et démontrons qu’elles procèdent de la mise en tension de deux styles antinomiques, le dramatique et le postdramatique, et d’une approche phénoménologique de l’espace et de la représentation : elles peuvent ainsi se réaliser comme des rituels laïques utopistes célébrant des modalités d’expérience individuelle ou sociale, généralement irlandaise ou nord-irlandaise, qui transcendent les clivages identitaires culturels ou sexuels. Dès The Factory Girls (1982), l’auteur allie la structure agonistique et le cadrage fictionnel dramatiques à une esthétique carnavalesque et méta-théâtrale aux inflexions postdramatiques. Par ce biais, il met en œuvre, dans la plupart de ses drames, une dialectique matérialiste de démythologisation et de remythologisation d’expériences ontologiques et socio-historiques déchirantes, aliénantes ou traumatisantes. Observe the Sons of Ulster Marching Towards the Somme (1985) et Carthaginians (1988) révèlent que letraitement dramaturgique de la spatialité, associé à cette dialectique, au style dramatique et à l’esthétique carnavalesque, vise à susciter la liminarité et la choralité : les personnages manifestent des possibilités de communion anti-structurelle et de libération vis-à-vis d’idéologies patriarcales hégémoniques. Enfin, l’approche phénoménologique de la spatialité et de la relation salle/scène dans des pièces comme Mary and Lizzie (1989) souligne les aspects ritualistes postdramatiques et postbrechtiens du théâtre de célébration

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Abstract:

Il s'agit de mettre en evidence le role de l'amour dans le theatre de moliere, a partir d'une analyse dramaturgique et d'une recherche thematique. Compte tenu de l'etendu du sujet, nous avons restreint nos investigations en ne retenant que les jeux et les tourments de l'amour : l'amour est a la fois comique et tragique. Ainsi nous avons essaye de montrer combien etaient complexes dans le theatre de moliere les rapports entre le bonheur et le malheur d'aimer
The but of this study is to discover the role of the love in the theatre of moliere, having regard to his dramaturgy. In view of the thematic study, this subject is too vast, so we restrict our research to the games and the torments of the love. Love is comic and tragic at once : how complex is the relationship between the happiness and the unhappiness of the love in the comedies of moliere ?

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Abstract:

Voltaire est l’auteur dramatique le plus doué et le plus prolifique de sa génération. Héritier des grands poètes tragiques du XVIIème siècle, il veut néanmoins réinventer la tragédie classique dont certaines règles et conventions lui paraissent nuisibles à la création (par exemple au développement de l’action), mais ses aspirations personnelles se heurtent à sa propre culture théâtrale et aux attentes d’un public conservateur. Par conséquent entre réformes, innovations, influences anglaises et fidélité à la tradition classique, il tâtonne. Il y a chez Voltaire à la fois un attachement au goût et à l’esprit du classicisme, et une réelle volonté de rompre avec bien des aspects de l’esthétique classique. Sa tragédie vacille alors entre adhésion et répulsion aux valeurs du Grand siècle et constitue elle-même une nouvelle esthétique théâtrale. C’est une tragédie pour le moins révolutionnaire, dont les conséquences sur le devenir de la tragédie classique peuvent susciter des interrogations
Voltaire is the brightest and the most prolific playwright of his generation. Heir of the big tragic poets of the XVIIth century, he nevertheless wants to reinvent the classic tragedy among which certain rules and agreements seem to him harmful to the creation (for example in the development of the action(share)), but his personal aspiration collide with his own theatrical culture and with the waits(expectations) of a public conservative(curator). By consequence between reforms, innovations, English influences and fidelity in the classic tradition, he(it) gropes. There is at Voltaire at the same moment an attachment to the taste and to the spirit of the classicism, and a real will to break with many aspects of the classic aesthetics. His tragedy vacillates then between membership (support) and aversion in the values of the Big century and establishes (constitutes) itself a new theatrical aesthetics. It is a tragedy at least revolutionary, the consequences of which on the future of the classic tragedy can arouse questioning

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Abstract:

L'entreprise de refondation des "artes sermocinales" en italie au quattrocento rencontre avec le dialogue un terrain d'expression privilegie. Parce que la production du sens est ouvertement solidaire des procedures enonciatives que le texte dialogue met en oeuvre, la releve de cette forme litteraire semble devoir susciter aujourd'hui chez l'interprete un ensemble de questions surgissant sur l'horizon de l'interet contemporain pour le langage, tel qu'il se manifeste en philosophie, linguistique, theorie de la litterature (cf. Les champs et notions de pragmatique, rhetorique, enonciation, etc. ). La mise au clair de cette relation hermeneutique a pour ambition de renouveler pour partie l'intelligibilite de toute une serie de textes caracteristiques de la periode consideree. L'affirmation des vertus heuristiques, mais aussi ethiques, de la confrontation des opinions, la prise en compte des necessites argumentatives, acquierent un relief particulier chez leon battista alberti (1404-1472), "inventeur" du dialogue en langue vulgaire. La nouvelle figure du "sujet parlant" qui s'y dessine est indissociable des choix linguistiques operes par l'auteur des libri della famiglia (1433-34 et 1437), du theogenius (vers 1440) et des profugiorum ab aerumna libri (vers 1442). Grace a l'analyse de ces textes dans leur dimension dialogue propre, nous voyons se constituer, dans et par l'exercice du langage, un modele de relations harmonieuses constituant le contre-type des egarements et des deviances que fustige par ailleurs l'alberti latin sous les especes de l'ironie, de la parodie, du paradoxe. La "legittima costruzione" des dialogues vulgaires albertiens fonde un "jeu dialogique" qui ne cesse d'exhiber les conditions de possibilite d'une "communicabilite" repensee
An attempt to refund the "artes sermocinales" in the italian quattrocento finds in the dialogue a most fertile ground to express itself. Since the production of meaning is overtly linked to the enunciative procedures used in the dialogue, the revival of this literary form is apt to raiseamong contemporary critics - a set of questions which proceed from a current and obvious interest for language, as witnessed in philosophy, linguistics and literary theories (ef. The fields and notions of pragmatics, rhetoric, enunciation. . . ). Clarifying such an hermeneutic relationsip intends to renew the understanding of a whole series of texts typical of the period. Asserting the heuristic and ethic virtues of debates and allowing for the constraints of argumentation tend to play a growing part in the works of leon battista alberti (1404-1472). The "inventor" of the vulgar dialogue. The new type of "speaking subject" who emerges therefrom cannot be dissociated from the linguistic choices made by the author of libri della famiglia (1433-34 and 1437), theogenius (c. 1440) and profugiorum ab aerumna libri (e. 1442). Through a careful analysis of the dialogic facture of these texts, one can observe, in the practical use of language, the advent of a model of harmonious relationships which standas the very opposite of the erring ways and other deviations that the latin alberti fustigates through irony, parody and paradox. The "legitima costruzione" of alberti's vulgar dialogues lays the foundations of a "dialogic play" which continuously features the prerequisites of a reconsidered "communicability"

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Abstract:

La présente thèse en 3 volumes tente de combler, du moins partiellement, le vide que représentait jusqu'à présent l'absence de toute édition critique du Mystère des Actes des Apôtres, œuvre monumentale d'environ 60 000 vers composée au 15e siècle, conservée dans deux manuscrits et trois éditions du 16e siècle. La première partie présente les résultats de nos recherches sur l'identité de l'auteur et sur la date de composition du texte. L'étude et la comparaison des manuscrits et des éditions de l'oeuvre, ainsi que la question du choix du texte de base pour notre édition y trouvent également leur place. Nous nous y penchons encore sur les représentations de la pièce ; enfin, une étude littéraire et dramaturgique, ainsi qu'une analyse linguistique complètent ce premier volet. La seconde partie contient le texte établi des deux premières journées du mystère, soit environ 12 000 vers. La troisième partie fournit des notes concernant le texte, une sélection de variantes, une liste des personnages avec la répartition des vers, un index des noms propres, un glossaire, une liste d'expressions et de proverbes, ainsi qu'une bibliographie. Ce volume comprend enfin 13 documents annexes et 23 planches
The present thesis in 3 volumes tries to make up, at least partially, for the absence up to the present of any critical edition of the Mystery of the Acts of the Apostles, a monumental work of approximately 60 000 lines written during the 15th century, preserved in two manuscripts and three editions of the 16th century. The first part presents the results of our research as to the identity of the author and the date of composition of the text. The study and the comparison of the manuscripts and the editions of the work, as well as the question of the choice of the reference text for our edition are equally included. This section, where we also deal with the representations of the play, is completed by a literary and dramaturgic study. The second part contains the established text for the first two days of the mystery play, that is approximately 12 000 lines. The third part provides notes concerning the text, a selection of alternatives, a list of the characters with lines distribution, an index of proper names, a glossary, a list of expressions and proverbs, as well as a bibliography. This volume also includes 13 additional documents and 23 plates

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Abstract:

Les imitations du théâtre du Siècle d'Or connurent, entre 1630 et 1660, un épanouissem*nt paradoxal compte tenu des divergences esthétiques entre les deux dramaturgies. Après un rappel du contexte culturel dans lequel s'inscrit ce mouvement d'imitation et des caractéristiques de la comedia, l'analyse se concentre sur l'étude des personnages dans les tragi-comédies et comédies de trois auteurs représentatifs des tendances générales de ce mouvement - Rotrou, Boisrobert, Scarron. Les transformations qu'ils apportent à leurs modèles soulignent que leur intérêt tient à l'exaltation des valeurs nobiliaires, à travers une dramaturgie des fausses apparences construite autour du déguisem*nt d'identité. L'acclimatation de la comedia en dénature ainsi la structure, modifiant l'équilibre des personnages, qui tendent à devenir des caractères. Enfin sont mises en évidence les constantes et les évolutions d'une vague d'adaptations qui nourrit, sur les plans structurel et thématique, les changements du théâtre français du premier XVIIe siècle, et dont l'examen permet de dégager des préceptes de bienséance et de vraisemblance, communs aux deux théâtres, des conceptions opposées de l'illusion dramatique
Despite the differences that oppose both dramatic arts, French imitations of the Spanish Golden Age theatre blossomed between 1630 and 1660. This study first recalls the cultural context in which these adaptations took place and the most striking features of the comedia. Then the analysis focuses on the characters in the tragi-comedies and comedies of three authors whose works are representative of the general trends : Rotrou, Boisrobert and Scarron. The choice of their reference models and the changes they made to them reveal that their interest is linked with the aristocratic value system praised by the Spanish theatre and its game of false appearances built on disguises. The adapters also distorted the structure of the comedia, introducing an imbalance between the characters, which tend to have fixed features. The comparison between French adaptations and their Spanish sources clarifies the evolutions and permanent features of this imitation movement which contributed to the development of the French theatre during the XVIIth century. It stresses that although both dramatic arts rely on the same principles, like propriety and verisimilitude, they led to opposite ideas of dramatic illusion

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Abstract:

Notre recherche porte sur "Les géorgiques" de Claude Simon. Nous essayons, à travers l'analyse de ce roman, de poser un modéle de la réception et une théorie du texte litteraire, fondés sur l'interactivité. La lisibilité interactive est articulation multiple des structures proprietes fonctionnements processus textuels et des structures processus fonctionnements perceptifs, mnesiques, et cognitifs du lecteur. Les premiers sont dits réflexifs et forment la mémoire textuelle (articulation sémiotique, intéraction signe-signe), les seconds sont dits constructifs et forment le "texte mnésique" (articulation constructive, interaction texte-lecteur). Le concept de "mnémotexte" se propose d'articuler simultanement memoire textuelle et "texte mnésique", intéraction signe-signe et interaction texte-lecteur, réflexivite et constructivité. Ces deux derniers concepts nous permettent de redéfinir quelques concepts litteraires et de proposer quelques critères de la litterarité. Ainsi, notre recherche part d'une analyse litteraire pour recouper, dans une optique interdisciplinaire, les domaines de la linguistique textuelle, de la semiotique et de la psychologie cognitive. Nous posons, donc, quelques elements pour une psychosemiotique cognitive du texte litteraire.

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Abstract:

Si Lion Feuchtwanger doit sa célébrité internationale au roman historique Jud Süss (1925), il n'en a pas moins écrit une œuvre théâtrale importante qui accompagne pratiquement toute sa carrière d'écrivain, de 1905 à 1948, de Munich à Berlin, de Berlin en exil, aux Etats-Unis. Dramaturge avant de devenir romancier, il s'est essayé à tous les genres, de la comédie de salon au drame historique et philosophique, en passant par la chronique actuelle et la revue satirique. Utilisée comme point de départ de plusieurs de ses romans, cette œuvre théâtrale a fortement marqué son style narratif. L'originalité de quelques grandes figures du théâtre contemporain, côtoyées par Feuchtwanger, a contribué à rejeter ses propres drames dans l'ombre : on les a mesurés au théâtre de Kaiser. De toller et surtout de Brecht, dont la rencontre a été décisive pour son écriture dramatique. La collaboration et l'amitié de toute une vie, qui sont nées en 1919 entre les deux dramaturges, ont permis à Brecht de préciser sa conception du drame épique, à Feuchtwanger d'expérimenter un théâtre du geste et du verbe incisifs, contraire au théâtre d'idées, privilégiant le discours et les structures antinomiques, qu'il affectionnait. Sa meilleure pièce, les Iles du pétrole, est d'écriture brechtienne. Un théâtre à lire ? Ce théâtre n'est pas mort, la récente mise en scène de Thomas Wendt, drame de la révolution, après la chute du mur, le montre
Although Feuchtwanger owes his workdwide fame to a historical novel,Jud Süss (1925), his dramatic works (sixteen original plays and a dozen adaptations) mark his career as a writer, from 1905 to 1948, from munich to Berlin, and from Berlin to his exile in the USA. A playwright before he was a novelist, he tried all styles : drawing-room comedies, historical, philosophical, topical plays, satirical revues. His drama inspired some of his nivels and influenced his narrative style. The originality of the great contemporary dramatists Feuchtwanger met tended to overschadow his plays. He was compared with Georg Kaiser, Ernst Toller, and particularly B. Brecht, whose influence on his style was decisive. Their lifetime friendship and collaboration, which started in 1919, helped Brecht to clarify his idea of epic drama, and Feuchtwanger to give a more prominent role to speech and body, thus braking with a theatre of ideas based on discourse and oppositional structures. His best play, the Oild islands (1927), is brechtian in its writing. The 1990 production of Thomas Wendet (1919), a revolution play, after the fall of the Berlin wall, shows that his drama is still alive

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Abstract:

Un bilan exhaustif des activités théâtrales de Gide permet de souligner comment se dessine à l'intérieur de sa carrière littéraire une véritable carrière dramatique et combien le théâtre est reste pour lui une tentation. L’examen de ses idées sur le théâtre fait apparaitre une conception exigeante de l'œuvre dramatique centrée sur la notion de "caractères", seul moyen de proposer de nouvelles formes d'héroïsme. Si Gide accorde toute son attention aux vertus littéraires du texte dramatique, il a exprimé en revanche beaucoup de réticences à l'égard des exigences de la représentation théâtrale et il lui a été difficile de s'y soumettre sans qu'il y ait étroite corrélation, ses idées aident à comprendre ses propres œuvres dramatiques qui, par delà la diversité de leurs formes, se caractérisent par une formule dramatique originale : une figure centrale forte de ce qu'elle incarne de sa pensée, des personnages secondaires qui ne se comprennent que par rapport à cette figure, une action intériorisée, une désinvolture à l'égard des péripéties au profit de la nécessite intérieure qui guide les héros. Les œuvres dramatiques de Gide représentent, comme ses récits, une expérimentation des possibles, une expérience vécue par procuration ; on y retrouve les mêmes préoccupations morales, religieuses et politiques. Mais l'objectivation propre à la forme dramatique, leur incarnation dans des figures antiques ou bibliques, les détachent de l'auteur qui pourtant ne peut s'empêcher de manifester indirectement sa présence par le biais des procédés ironiques
An exhaustive survey of Gide’s activities related to the theatre shows how, within his literary career, a genuine dramatic career emerged and what attraction drama always exerted on him. Gide had an exacting conception of dramatic production, centered on the notion of 'characters', which to his mind were the only means of propounding new forms of heroism. While he attached great importance to the literary qualities of the dramatic text, he expressed much reluctance to submit to the constraints of the theatrical performance and found it difficult to comply with them in practice. His ideas throw light on his dramatic production, though there is no direct correlation between the two. These works, however diverse in form, are characterized by one original dramatic formula: a central figure embodying some of Gide’s own ideas in a forceful way, secondary characters to by understand only in relation to the central figure, an interiorized action, a disregard for adventures to the benefit of the inner necessity which guides heroes. In his dramatic works, as in his narratives, Gide experiments with potentials, lives experiences by proxy. The same moral, religious and political concerns are to be found in them. But the objectivities inherent in the dramatic form, and the embodiment of these values in heroes from the antiquity or biblicaltimes, tend to sever these concerns from the author, even though Gide cannot refrain from manifesting his presence through irony

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Abstract:

Le but de notre travail a été de comparer trois auteurs de langue différente appartenant au XVIIe siècle: Shakespeare, Calderon et Corneille. Nous avons voulu montrer que leurs œuvres théâtrales présentaient des traits d'une esthétique baroque, dépassant ainsi l'image établie d'un Corneille classique. Nous avons choisi un des aspects qui nous parait le plus représentatif du baroque théâtral: la folie. La thématique de la folie nous a ainsi permis d'examiner, sous un angle linguistique, stylistique et littéraire, plusieurs caractéristiques communes ou divergentes à ce théâtre anglais, espagnol et français. Nous nous sommes tout d'abord attachée à l'idée que, chez ces trois auteurs, certains personnages manifestaient un désir démesuré de pouvoir et de domination représentant sur la scène un des aspects fondamentaux de cette folie, que nous avons nommé un "défi prométhéen". A partir de là, nous avons pu constater que l'expression linguistique et stylistique de la folie ne passait pas forcement par un langage hyperbolique mais, de manière paradoxale, par un langage de raison. Notre réflexion s'est alors portée sur la folie amoureuse, et plus particulièrement sur la jalousie, qui, elle, symbolise un baroque dionysiaque, en exhibant et montrant, sur le mode tragique ou comique, la violence de la passion. Enfin, nous avons vu que la folie pouvait présenter des signes cliniques et pathologiques et traduire ainsi un désordre spirituel et somatique, faisant l'objet de descriptions minutieuses de la part des auteurs. Cette étude nous conduit par conséquent à dire que le topos de la folie reflète parfaitement un baroque théâtral aux multiples visages dans les œuvres de Shakespeare, Calderon et Corneille
The purpose of this study was to compare three authors writing in different idioms, all three belonging to the XVIIth century: Shakespeare, Calderon and Corneille. We tried to show that their theatrical works offer the features of a baroque aesthetics, refusing consequently the image of a classical Corneille. We choosed one of the aspects which represents the best the baroque in the theater: madness. The theme of madness leaded us to examine, in a linguistical, stylistical and literary point of view, some characteristics common or divergent between this English, Spanish and French theater. First, we began to point out in these three authors that some characters were having an unbounded desire of power and domination, representing on stage what we called "a Prometheus challenge". From this point, we established that the linguistical and stylistical expression of madness was not necessarily appearing with an hyperbolical language but, paradoxically, with a rational language. We studied then the madness of love, and more particularly jealousy, which symbolizes a DionysiaC baroque, producing, in the tragedy or the comedy, the violence of passion. Finally, we saw that madness could present clinical and pathological signs and symbolize therefore a spiritual, somatical and macrocosmical disorder, described with precision by the three authors. In conclusion, this work shows that the topic of madness perfectly reflects a theatrical baroque with different faces in the works of Shakespeare, Calderon and Corneille

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Abstract:

Abdelkader Alloula est un dramaturge algérien qui a été assassiné en 1994. Son théâtre a occupé une place prépondérante en Algérie. Tous ses écrits convergeaient vers la culture populaire. Cette dernière occupe une place importante dans le théâtre en Algérie d'une manière générale. Cela est expliqué d'une manière détaillée dans la vue panoramique sur le théâtre en Algérie, avant et après l'indépendance. Les principales pièces sur lesquelles ont été axé les recherches sont : El-Agoual (Les Dires) 1980. El-Adjouad (Les Généreux) 198, El-Litham (Le voile) 1989. Il s'agit de trouver la trace de la culture populaire dans ces trois pièces et de voir comment elle est représentée par les différents personnages. L'analyse linguistique de ces trois pièces prend comme support le texte en arabe qui a été édité à titre posthume, l'analyse scénique prend comme support les cassettes vidéos qui ont été récupérées de la télévision algérienne tout en s'appuyant sur le Petit Organon de Brecht. Les trois pièces dialoguent entre elles. Ceci est expliqué dans le chapitre de l'intertextualité. Les trois pièces sur lesquelles repose la recherche ont été traduites en 1995, huit mois après la mort l'assassinat du dramaturge. Comment peut-on parler d'une fidélité au texte original alors qu'il n'a été disponible sur le marché qu'en 1997. C'est à cette lumière qu'une comparaison est faite entre le texte en arabe et le texte en français en donnant des exemples précis des écarts sémantiques. Il est vrai qu'une traduction est une trahison du texte original mais à ce niveau il s'agit de perdre la notion de la culture populaire. Cette dernière est synonyme de la spontanéité. Le théâtre d'Abdelkader Alloula puise des caractères du goual et de sa manière d'occuper l'espace scénique. C'est dans cette optique que le théâtre d'Abdelkader Alloula est analysé
Abdelkader Alloula was an Algerian playwright who was assassinated in 1994. All his works converging on the popular culture dominated the Algerian theatre, when looked at globally popular culture being a very important part of the theatre scene both before and after independence, the principal works on which the research was based being, El-Agoual (The Talk)1980. El-Adjouad (The Generous)1984. El-Litham (The Veil) 1989. It is necessary to find the trace of popular culture in these three plays and how it is represented by the various characters, analyse of the original text being in Arabic and edited posthumously, the analyse of the scenes being based on the video tapes recovered from Algerian television who used the influence of Brecht's Petite Organon. The three plays have a dialogue between them. This is explained in the intertextualité chapter. The three plays on which the research was based where translated in 1995, eight months after the death of the author, how can we talk about a true interpretation of the original text when it was not openly available until 1997. It is in this light that we can compare the original text in Arabic with the text in French, giving precise examples of the semantic differences. While it is true that a translation is a treasonable act to the original text, at this level it goes as far as to loose the notion of the popular culture, which is synonymous to the spontaneity, the theatre of Abdelkader Alloula his characters and the way he uses the scenic space. It is in this way that the analyse of his works is made